Когда безудержные страсти бунтующего разума стали господствовать над послушанием и умеренностью?

Романтизм, как большой стиль европейского искусства, это синтез живописи, литературы и музыки. Герои романтизма – отважные одиночки, которые не боятся противостоять стихии. Романтический герой или путешествует, причем, скорее, стремясь удалиться прочь откуда-то, чем направиться куда-то, или тоскливо смотрит из окна в открытое море так, словно жаждет познать всю беспредельность с той стороны горизонта.

В живописи художники предпочитают все сумеречное чудесному, таинственному и неземному. То, что художники-романтики не находят и не признают логического завершения, проявляется во фрагментарном характере их произведений. Таинственность, мистицизм, надлом, трагедия и потрясение – вот судьба человека, отраженная в этой живописи.

На лекции разберемся, почему же одиночество и избранность стали самыми востребованными метафорами этого времени.

Символизм — понимание живописи как иносказания, как ухода от действительности в пространство мечты, сновидений, грез, призраков и мистики. Живопись этого времени поэтична, сложна, тесно связана с литературой, историей и музыкой, полна одновременно ошеломляющего, пугающего и бесконечно прекрасного, рафинированно эстетского.

Жизнь и путь души становятся центральной темой живописи символистов. Иногда художники объединяются в почти средневековые коммуны, как например «Братство Прерафаэлитов» в Англии и «Назарейцы» в Германии, но чаще выбирают путь одиночек, всеми отвергаемых и никому не понятных гениев.

Символизм в живописи – это продолжение, развитие и трансформация идей романтизма. Художники-символисты каждый по-своему выстраивают идиллически-прекрасный мир запредельного существования человеческого Духа – на лекции мы посмотрим, какой именно.

Последний большой стиль европейского искусства, который закончился ровно в год начала Первой Мировой Войны. Сложная и странная, загадочная эстетика модерна построена на декадентском понимании красоты. Это связано со сломом эпох и радикальной сменой культурных парадигм между XIX и XX веками.

В модерне с особенной яркостью проявляется синтез всех видов искусства – от архитектуры до декора. Декоративно-прикладное искусство приобретает особое значение, становится не просто важным элементом, а основным.

На лекции мы увидим самых ярких художников модерна. Неповторимая архитектура Антонио Гауди, в сооружениях которого соединяются эпохи и стили, сформировала облик современной Барселоны. Колорит и темперамент этой архитектуры запоминается с первого взгляда.

Не менее выразительные эксперименты с цветом и формой, фактурами и линиями, образами и сюжетами происходят в живописи модерна. Мы внимательно посмотрим на творчество двух выдающихся живописцев этого периода – Густава Климта и Альфонса Мухи.

Мы погрузимся в самые интересные этапы творчества Климта – от увлечения золотом равеннских мозаик до пестроты японских цветных гравюр и театра кабуки. Увидим его «Поцелуй» и «Золотую Адель», «Nuda Veritas» и «Древо жизни», проникнем в тайны его творчества и судьбы.

Начало и первая половина XIX века – время между просвещением и романтизмом. Впервые в живописи возникает термин «реализм» и художники начинают требовать от искусства достоверность и правду.

Тогда же появляется английская живописная школа. Как на нее повлияли художники из разных стран, особенно голландцы? Почему длительное время в Англии существовал только один живописный жанр – портрет? Чем отличаются подходы к портретной живописи Томаса Гейнсборо и Джошуа Рейнольдса? Почему для Джона Констебля пейзаж становится главным жанром и что нового появляется в пространстве картин, которые он пишет?

Обо всем этом — на лекции.

Живопись солнца и света, самое жизнерадостное направление в мировом искусстве рождается во время войны в противовес всем ее ужасам. И хотя импрессионисты не были революционерами и бунтарями по духу, но именно они первые «отменили» правила в живописи.

Художники-импрессионисты словно научились останавливать время: главные герои в их картинах — солнце и воздух. Публика двадцать лет не будет признавать эти полотна, принимая их за фрагменты, эскизы, этюды, а самих художников – за недоучек. Полотна импрессионистов такими и будут – фрагментами внезапно остановленных мгновений. Но каких мгновений! Только самые светлые и радостные моменты жизни мы видим в живописи импрессионистов.

На лекции мы полюбуемся рассветами Эдуарда Мане и прудами Клода Моне, восхитимся красотой Жанны Самари Ренуара и «Голубых танцовщиц» Эдгара Дега, сравним синеву небес и вод в картинах Камиля Писсаро и Альфреда Сислея.

Постимпрессионизм – термин, который ничего не означает, кроме того, что это время художников, которые пришли после импрессионистов. Хотя в случае с Полем Сезанном даже это не верно.

Он принимает участие во всех выставках импрессионистов, выставляется рядом с Клодом Моне и Огюстом Ренуаром. Он их друг и ровесник. Но с самых первых своих шагов в искусстве, импрессионизм кажется ему слишком легким и понятным способом отражать мир. Поэтому он придумает свой.

Ван Гог и Гоген, два друга, соратника, при этом каждый — уникальный в своем взгляде на мир и на живопись. Ван Гог писал запойно, иногда по несколько картин в день, писал буквально все, а когда это все заканчивалось — писал все еще раз.

Наивный – не значит «глупый» или «недалекий». Это, скорее, противопоставление профессиональному искусству. Наивные художники не стремятся рисовать по канонам, они пишут мир не так, как учат, а так, как чувствуют его.

Критики и зрители хихикали, когда впервые увидели работы, выполненные в этом стиле. Картина Анри Руссо «Карнавальный вечер» (1886) подверглась яростным нападкам. Сюжет не вызывал нареканий: молодая пара, одетая в карнавальные костюмы, возвращается домой пешком через вспаханное поле зимней ночью под полной луной, которая висит в небе над голыми деревьями. Но зрителям, воспитанным на академической живописи, показалась неприемлемой та немудреная манера, в которой Руссо эту сцену изобразил. Публика видела ноги, зависшие в дециметре над землей, отсутствие достоверной перспективы и в целом плоскую и неумелую композицию. Пожалуй, именно тогда среди зрительских оценок впервые прозвучало: «Мой пятилетний ребенок нарисовал бы не хуже».

Но как раз благодаря отсутствию технических навыков и умений и появился узнаваемый стиль наивного искусства: соединение незамысловатой иллюстрации к детской книжке с двумерной четкостью, присущей японской ксилографии.

На лекции рассмотрим все подробнее и поймем, почему пятилетний ребенок так точно бы не смог.

На лекции мы проследим изменения в скульптуре ХХ века – весь путь от кубизма к абстракции.

Мы начнем это исследование с работ Огюста Родена. Того, кто изменил представление о форме также радикально, как Клод Моне о цвете. Откроем для себя новую эстетику Аристида Майоля и Антуана Бурделя, познакомимся с Генри Муром - художником, который соизмерял свои произведения с природными ландшафтами. Его монументальные женские фигуры – физическое воплощение природных сил.

Разберем творчество Александра Колдера – скульпторы-изобретателя, тем, с кого начинается кинетическая скульптура. Его скульптуры-механизмы уже стали классикой современного искусства, но когда-то его открытия были столь же радикальны, как изобретения Леонардо да Винчи. Затем перейдем к абстрактным скульптурным формам Наума Габо, с которыми он работает как с отражением идей нового времени.

Революции и политические реформы, мировые войны и научные открытия привели к полной смене культурных парадигм в XX веке. Этот век был полон контрастов и два великих художника – Анри Матисс и Пабло Пикассо – очень по-разному воспринимали и изображали его.

Формы и линии Пикассо, экспрессия цвета и чувств Матисса зададут основные векторы развития искусства ХХ века. На лекции мы увидим трагичность и драматизм у Пикассо и радость жизни у Матисса.

На лекции мы встретимся также с творчеством художников-кубистов: Жоржа Брака, Робера и Сони Делоне, Омеде Озанфана, Фернана Леже, а также с художниками-фовистами: Морисом Вламинком, Андре Дереном, Альбером Марке.

В ХХ веке радикально меняется не только философская и научная картина мира, но и скорость жизни человека. И художники реагируют на такие изменения.

На лекции мы познакомимся с экспериментами художников-футуристов, которые идеализировали и поэтизировали научно-технический прогресс, изобретали новые образы будущего и новые способы изображать время.

Мы узнаем, почему родиной этого радикального направления живописи стала Италия и проследим, как именно там возникает антипод футуризма – метафизическая живопись.

Мы поговорим про экспрессионизм в живописи ХХ века, про его внимание к внутреннему миру человека страдающего, трагически переживающего предельный душевный надлом.

Познакомимся с работами Эрнста Людвига Кирхнера, Эмиля Нольде, Кеса Ван Донгена, Макса Пехштейна, Карла Шмидт-Ротлуфа, Карло Карра, Джакомо Бала, Джино Северини, тремя Джорджами: де Кирико, Моранди и де Кунинга, а также Эгона Шиле и Макса Бекмана.

Дадаизм как контркультура, как антикультура, как реакция на абсурд реальности и предпосылка сюрреализма. Сюрреализм как чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить устно, письменно или другим способом реальное функционирование мысли. Это диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений.

На лекции мы будем говорить о самых загадочных и странных явлениях художественной жизни ХХ века:

• узнаем, почему дадаисты презирали и смеялись над безумием окружающего мира, дразнили его и провоцировали,
• как Тристан Тцара, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Ханс Арп и Курт Швиттерс стали предшественниками мультимедийного искусства, джанк-скульптуры и поп-арта
• увидим самых ярких художников-сюрреалистов: Макса Эрнста, Рене Магритта, Ива Танги, Андре Масонна и Сальвадора Дали

На протяжении веков художник был скован догмами, определяющими «хороший тон» в искусстве. Но всё изменилось с наступлением ХХ века.

На лекции узнаем:

• как из мечтающего романтика художник превратился в активиста и совесть эпохи;
• что такое реальность в понимании художников XX века;
• за что современники ругали солнечные пейзажи художников-«впечатленцев»

Абстракционисты — безумцы или гении? Почему их работы — шедевры, а просто подтеки краски на холсте — нет? Как понять, что картина уже закончена, если она состоит из хаотичных брызг?

На лекции мы увидим лирику Кандинского, супрематизм Малевича, неопластицизм Мондриана и Тео ван Дусбурга, медитации Марко Ротко и космос Джексона Поллока.

И, может быть, тогда сможем прикоснуться к смыслам произведений этих художников, которые создали живопись без сюжета, без композиции, без привычного нам пространства, света и материальности.

Поп-арт это альтернативное художественное направление, своеобразный протест против обывательского «общества потребления». Энди Уорхолл создает это направление и меняет представления о живописи как о чем-то уникальном и неповторимом. Называет свою мастерскую «Фабрикой», печатает произведения на станке методом шелкографии, работает со всеми штампами, клише и стереотипами массовой культуры.

Уорхол считается самым коммерчески популярным художником прошлого века. У него заказывали портреты Мик Джаггер, Лайза Минелли, Джон Леннон, Брижит Бардо, семейство иранского шаха и другие знаменитости. Но на лекции мы увидим не только его работы, но и всех самых интересных художников поп-арта: Тома Вессельмана, Роя Лихтенштейна, Класа Ольденбурга.

Почему банка консервированного супа, приклеенный к стене на изоленту банан или обычная однодолларовая купюра вдруг становятся художественными образами?

Мы живем в эпоху, когда «все слова уже сказаны, и все табу уже нарушены». Что это — конец времён или начало нового человечества? Что такое постмодернизм и почему художники изобретают новые методы: перформансы, акции, инсталляции, хэппенинги и другие формы радикального искусства?

Это — новый формат искусства рубежа ХХ-ХХI веков. Новая художественная практика, принципиально другая, потребовала и новой логики, риторики и артикуляции.

На лекции увидим, что постмодернизм — это не только про искусство, но и про науку, политику, про современное общественное сознание и устройство.

Мы поговорим о перформансах Марины Абрамович, инсталляциях Яеи Кусама, Маурицио Каттелана, проектах Дэмиан Хёрста, Джефри Кунса и не только.

Попробуем разобраться в самом главном, будем смотреть на самые яркие и неоднозначные творения художников, акторов, действующих лиц постмодерна.

«Абстрактный экспрессионизм» — это расплывчатый термин, который относится к общему движению в основном нерепрезентативной живописи, которое процветало в Соединенных Штатах в 1940-1950-х годах. Возглавляемая поколением американских художников — под сильным влиянием европейских экспатриантов — выросших во время Депрессии и испытавших влияние как Второй мировой войны, так и ее последствия — Холодной войны, абстрактная экспрессионистская живопись не была ни полностью абстрактной, ни экспрессионистской и охватывала несколько совершенно разных стилей. Тем не менее, у различных представителей абстрактного экспрессионизма было несколько общих целей, не в последнюю очередь желание пересмотреть природу живописи и в процессе создать новый тип искусства.

Обо всем этом — подробнее на лекции.

Считается, что фигуративное искусство изображает какие-то узнаваемые объекты, а абстрактное отказывается от репрезентативности. Но что, если война изменила мир до неузнаваемости? Художники Лондонской школы вернули в послевоенное искусство фигуративную живопись, но их работы далеки от реалистической традиции. О том, как эволюционировала репрезентативность в искусстве середины XX века — на лекции.

Считается, что фигуративное искусство изображает какие-то узнаваемые объекты, а абстрактное отказывается от репрезентативности. Но что, если война изменила мир до неузнаваемости? Художники Лондонской школы вернули в послевоенное искусство фигуративную живопись, но их работы далеки от реалистической традиции. О том, как эволюционировала репрезентативность в искусстве середины XX века — на лекции.

Русская живописная школа традиционно развивается в лоне европейской, она синхронна с эволюцией ее стилей – от Классицизма и Рококо к Сентиментализму и Реализму. Но к XIX веку русские художники все чаще формулируют и озвучивают национальную идею.

На лекции:
• узнаем, что такое «критический реализм» и откуда взялись «передвижники»;
• увидим «Последний день Помпеи» Карла Брюллова – первое полотно в русской живописи такого большого размера и первую живопись-экшн в русском искусстве;

Модерн стал первым по-настоящему международным стилем, и с его помощью русское искусство тоже превратилось в международное.

На лекции:
• выясним, что особенного в русском модерне;
• узнаем, как Врубель пришёл к образу Демона;
• как модерн подготовил почву для авангардной революции в искусстве

Русский авангард по своему происхождению тесно связан с революцией в России и радикальными изменениями в мире в XX веке.

От символизма к авангарду, от «Голубой розы» к «Бубновому валету» и «Ослиному хвосту»: кубофутуризм и примитивизм, эксперименты с формой и смыслами, отрицание традиций и рождение новой идеологии – вот что такое русский авангард.

Машков и Кончаловский, Лентулов и Куприн, Фальк и Сарьян, Гончарова и Ларионов – каждое имя в этом списке – целая вселенная.

На лекции узнаем, о чем мечтали художники русского авангарда и к чему привели их мечты.

Сегодня искусство соцреализма переосмысливается и воспринимается нами уже в контексте истории.

На лекции мы поговорим и про сам термин «соцреализм» и про его живопись:
• узнаем, почему живопись невозможно рассматривать только как иллюстрацию идеологии;
• изучим разнообразие и неоднородность соцреализма и увидим, как часто шедевры рождаются не благодаря, а вопреки системе;
• обозначим, что такое «суровый стиль» и почему он начинается в эпоху оттепели;
• по-новому посмотрим на привычное и увидим, как рождаются идеи нонконформистов;
• и ответим на вопрос, почему искусство всегда больше, шире и глубже любой политики и идеологии

Во время правления Сталина авангард перестал соответствовать задачам, которые ставило перед искусством государство. Он не воспитывал правильного советского человека и не славил власть. Авангардисты ушли в подполье, а официальным искусством СССР стал соцреализм. На лекции выясним, как разрешённая живопись сосуществовала с андеграундом и как развивалось искусство от 30-x годов XX века до распада СССР.

Узнаем:
• как закончился авангард;
• кто стал главным художником эпохи Сталина;
• каким был советский андеграунд и как он вышел из подполья;
• как «Бульдозерная выставка» изменила советское искусство

Грузинское искусство росло вместе с развитием грузинской государственности, начиная с древних царств Колхиды и Иберии, и процветало в Средние Века во время Грузинского царства. Сегодня оно — одно из самых ярких: в нем и любовь к жизни, и трепетное отношение к культурным кодам, и футуристичность. На лекции познакомимся с самыми известными из современных грузинских художников.

На лекции познакомимся с творчеством основоположников казахской живописи — Абылхана Кастеева, Аубакира Исмаилова. Проследим влияние Николая Хлудова на начальном этапе развития живописной школы, поговорим о работе репрессированных живописцев — Владимира Эйферта, Абрама Черкасского, Леонида Брюммера, Регины Великановой, Александра Риттиха. Отдельно посмотрим на полотна самого загадочного из всех наших художников — Сергея Калмыкова. Увидим рождение национальной живописной школы в творчестве Канафии Тельжанова, Молдахмета Кенбаева. Проникнем в символизм, мелодичность и поэтику живописи Сабура Мамбеева, Салихитдина Айтбаева, Шаймардена Сариева, Бахтияра Табиева, Абдрашита Сыдыханова. Увидим живописную экспрессию Жанатая Шарденова, философские притчи Дулата Алиева, Гани Баянова, Жумакын Кайрамбаева и не только.

И обязательно посмотрим на живопись наших современников, поймём, как изменилось искусство после исчезновения железного занавеса и обретения независимости. Нас ждёт живопись Аскара Есдаулетова, Марата Бекеева, Андрея Ноды, Шамиля Гулиева, Ерболата Толепбая, Галым Маданова, Вячеслава Люй-Ко и еще многих интересных и талантливых наших современников.

На лекции посмотрим на живопись наших современников, поймём, как изменилось искусство после исчезновения железного занавеса и обретения Независимости. Нас ждёт живопись Аскара Есдаулетова, Марата Бекеева, Андрея Ноды, Шамиля Гулиева, Ерболата Толепбая, Галым Маданова, Вячеслава Люй-Ко и еще многих интересных и талантливых наших современников.

Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. Если мы привыкли рассматривать картины европейских мастеров, то работы китайских мастеров надо читать. Тем более, что в Китае живопись и каллиграфия очень близки: там любой художник это каллиграф, а любой каллиграф — художник. В обоих случаях используется линейный способ письма, одинаковые материалы и инструменты: кисть, мягкая пористая бумага из бамбукового или конопляного волокна, тушь и минеральные и растительные краски вроде акварели.

От четырех отцов-основателей — Гу Кайчжи, Лу Таньвэй, Чжан Сэнъяо и У Даоцзы — до 6 законов живописи: Шэньцы — одухотворённость, Тяньцюй — естественность, Гоуту — композиция живописного произведения, Гусян — структура произведения, Мосе — следование традиции, Юнби — высокая техника письма тушью —на лекции мы проследим историю самого древнего, самого цельного и самого духовного искусства в мире — искусства Китая.

Индия – одно из древнейших государств с яркой и многоликой культурой. На формирование особого архитектурного стиля, а также на скульптуру, живопись, музыку и танцы Индии повлияли три разных религиозных течения – буддизм, индуизм и ислам. В связи с этим до наших дней сохранились исторические культурные памятники, способные многое рассказать о жизни страны и культуре ее народа.

На лекции попробуем сделать первое касание в сторону необъятного.

Европейцы познакомились с японским искусством во второй половине XIX века, после вторжения американской эскадры коммодора Мэттью Перри в 1853 году. На международных выставках оно произвело фурор, и в моду тут же вошло все японское: кимоно, ширмы, фарфор, гравюры. «Японизм» проник в европейскую живопись и декоративно-прикладное искусство, повлияв на импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров ар-нуво. И все же для большинства японское искусство оставалось диковинкой: картины казались незаконченными эскизами, свитки напоминали обои, а гравюра — карикатуру. И даже сегодня многие аспекты японского искусства не вполне понятны западному зрителю. Как же его понимать?

На лекции мы поговорим о японском искусстве и традициях, о японском отношении к красоте и попробуем разобраться с основополагающими элементами японской культуры:

Моно-но аварэ - очарование, мудзё — эфемерность и изменчивость вещей, ваби-саби — печаль одиночества, отрешенность, нара — красота древности, югэн — таинственная красота, фуэки-рюко — вечное текущее, потому что без понимания философии Японии невозможно понять ни ее жителей, ни культуру, ни искусство.

На завершающей цикл лекции будем говорить о прекрасном и запретном. О том, что такое табу и почему художники нарушают их — с момента появления первых засечек на стенах пещер и вплоть до завтрашнего дня.

Нарушение табу – это и изображение Вакха с грязными ногтями и чашей подгнивающих фруктов, и спрятанная Триумфальная Арка в Париже, Белка на Атакенте, дочь, кормящая грудью плененного и умирающего от голода отца, несколько тонн сделанных вручную фарфоровых семечек как олицетворение восприятия Китая в мире и Черный Квадрат, вызывающий очень разные эмоции у публики.

Табу в искусстве – это в том числе и китч: когда искусство начинают оценивать погонными метрами – а точнее общей каратностью бриллиантов в инкрустации, или когда содержание уже не может конкурировать с физическим объемом.

Если изъять из искусства надежду, протест и выпотрошить все вторые днища лиссировок, то и человеческого будущего не останется, будет не для чего просыпаться по утрам.