Искусство Египта — одно из первых, появившихся на Планете. И оно кардинально отличается от всего, что существовало как до него, так и после. Возникшее из желания увековечить Царей и воздать почести Богам, главная и отличительная его движущая сила — сила Смерти. Ужасная, но желанная, потому что в ней древние египтяне видели источник вечности и величия.

На лекции мы полюбуемся шедеврами Древнего Египта:
‣ Храмами царицы Хатшепсут, Амона в Луксоре и Карнаке, Рамзеса II в Абу-Симбеле
‣ Бюстом Нефертити и скульптурой богини Иштар
‣ Золотой маской и троном Тутанхамона
‣ Парной статуей Рахотепа и Нофрет
‣ Росписями и рельефами египетских храмов

Античность — это время, когда появились классические представления о красоте и гармонии в искусстве. Крит — остров, на котором по легенде родился Зевс, и место действия большинства античных событий. Гомер — величайший из поэтов, благодаря которому мы имеем представление об истории современной ему цивилизации.

На лекции узнаем:
‣ какие 3 главные идеи лежали в основе искусства Античной Греции;
‣ как изучают древнегреческую живопись, если почти никаких произведений не сохранилось;
‣ почему нельзя верить своим глазам, глядя на скульптуры Древней Греции.

Европейская культура выросла из Древней Греции: у греков мы позаимствовали каноны красоты, сюжеты и даже само понимание искусства.

На лекции увидим все шедевры древнегреческого искусства:
‣ вспомним эпоху Александра Македонского и Чудеса Света;
‣ внимательно рассмотрим Афинский Акрополь, представим, каким он был в эпоху Перикла, и что в нем принадлежит великому Фидию;
‣ полюбуемся шедеврами Поликлет, Мирона, Праксителя, Леохара, Скопаса — эталонами скульптуры, которому будут следовать следующими столетиями;
‣ а также узнаем, чем отличается искусство архаики, классики и эллинистического периода

Что нужно знать об эстетике Древнего Рима? К ней обращались все европейские империи: римляне научили их оформлять дворцы и подарили миру портрет как жанр. Но только ли этим значимо древнеримское искусство? Нет, иначе мы бы не видели его отголоски буквально на каждом шагу.

На лекции узнаем:
‣ что римляне "позаимствовали" из греческой Античности, а что придумали сами?
‣ чем отличается искусство Республики и Империи?
‣ от Капитолийской волчицы до Пантеона и Колизея — мы увидим весь Древний Рим и поймём, почему он — Вечный!

В Средние Века искусство сделало резкий разворот: соборы вдруг обнажили кружево ребер и из просто несущей конструкции они превратились в самодостаточный элемент экстерьера, поднялся невероятный с физической точки зрения купол Айя Софии, а мировая сокровищница пополнилась огромным количеством непревзойденных до сих пор фресок и мозаик.

На лекции мы узнаем:
‣ относительно чего эти века — Средние;
‣ как изобразить Бога с помощью перспективы;
‣ как искусство пришло от суровой романтики к изящной готике и какую роль в этом процессе сыграл Константинополь

Ренессанс — эпоха великих открытий, взять хотя бы мореплавателя Колумба и его Америку. А что открывают художники Ренессанса и почему все начинается не просто в Италии, а конкретно во Флоренции?

Ренессанс — это авангард XV века: новые техники, торжество научного метода и редкая изобретательность. Например, была изобретена перспектива. Сначала очень немногие мастера разглядели потенциал в работе с ней, но затем поняли главное преимущество: так сюжет картины стал прямо сообщаться с миром зрителя, который теперь смог воспринимать картину как часть реального мира.

В скульптуре в это же время прорыв совершает Донателло — его тонкие рельефы и отдельностоящие статуи сейчас кажутся нам до домашнего обычными, но тогда это было не слабее, чем NFT сегодня.

Обо всем этом и многом другом — на лекции

Сандро Боттичелли был певцом Любви и Весны, желавшим восславить не только красоту человека, но и его великое предназначение. В живописи он видел смысл жизни — как своей, так и вообще.

Микеланджело стал легендой при жизни. Он известен как прекрасный скульптор, умевший в мельчайших подробностях воссоздать человеческое тело в мраморе — и еще как автор Сикстинской капеллы, монументального живописного произведения в сердце католической веры. При этом живопись он не любил, а Папе Римскому то и дело хамил.

Два гения, два Титана Ренессанса, две противоположности — и их двоих вполне хватит для Вечности. Поговорим про них подробнее на лекции.

Леонардо да Винчи стал легендой при жизни, хотя и был максимально противоречивой персоной: итальянец на рассвете Ренессанса, сделавший карьеру при дворе французского короля. Художник, строивший мосты и писавший великолепные поэмы на музыку собственного сочинения. Было ли что-то, чего он сделать так и не смог? Да: из всех своих живописных работ он так и не смог расстаться с Моной Лизой. Конечно, мы с Вами еще подискутируем на лекции, стала ли она шедевром сразу или только после скандала с ее кражей, получившим большую огласку в СМИ, но сам факт совершенного гения Леонардо — неоспорим.

Леонардо да Винчи с помощью живописи смог передать чувства и мысли так, чтобы они звучали актуальными вне времени, были понятны, но оставались загадкой. Живопись для него была ремеслом, требующим не столько фантазии, сколько наблюдательности и технических навыков.

Рафаэль в это же примерно время трудился над Сикстинской капеллой: создал десять эскизов (до нас дошли семь) для гобеленов, которые потом предполагалось вывешивать в дни особых торжеств. Он умер в Риме в 1520 году в возрасте всего лишь 37 лет, но оставил после себя множество работ — в том числе и автопортретов, на которых, как позднее выяснилось, любил изображать себя моложе, чем был на самом деле. И аккуратно корректировал форму носа.

О чем думали и мечтали, что творили при жизни и что оставили потомкам еще два Титана Ренессанса — на лекции!

Как художники Нидерландов совершают великие открытия, не покидая собственного дома?

Ян Ван Эйк изобретает технику и технологию масляной живописи. Краски его картин даже через 600 лет не потеряли своего звучания и глубины.

Питер Брейгель Старший пишет картины-притчи на все времена. Его «Слепые», «Вавилонская башня» и «Пляски под виселицей» — это все про нас сегодняшних и наш мир.

Иероним Босх, единственный в истории мировой живописи художник-мизантроп, так талантливо и убедительно создает свои фантасмагории, что невольно следуешь за ним и соглашаешься с тем, что человек слаб и все его страсти больше его самого.

Обо всем этом — на лекции.

На лекции нас ждёт встреча с Альбрехтом Дюрером — самым необычным художником Германии, не случайно ведь его называют «немецким Леонардо». Изобретатель, мистик, эзотерик, алхимик, художник, для которого Искусство — это способ познания мира. Мы увидим не только его живопись, но и графику.

Увидим и откроем для себя портреты Ганса Гольбена Младшего, полюбуемся мадоннами Лукаса Кранаха Старшего и прикоснемся к истории зловещего короля Англии Генриха VIII, который отменил Римскую Церковь в своей стране и воспитал двух дочерей, ставших легендарными королевами Англии.

Город–декорация, маски и мосты: из всех итальянских городов Венеция – самая загадочная и эффектная. Город, где родился театр масок Дель Арте, Карнавал и Казанова. Кем была создана роскошь и красота города, построенного на воде, у которого вместо улиц – каналы, вместо перекрестков — мосты?

На лекции мы узнаем:
‣ увидим картину Веронезе «Брак в Кане Гилилейской», размеры которой превышают 60 кв.м. и на которую вот уже больше полувека смотрит крошечная "Мона Лиза" в Лувре;
‣ проследим, как именно в Венеции впервые проявятся черты Барокко в творчестве мастеров Позднего Возрождения (Тинторетто, Веронезе) и художников-маньеристов (Карпаччо, Понтормо, Пармиджанино);
‣ узнаем, почему в Венецианской Школе образ Венеры встречается чаще, чем образ Мадонны?

Когда безудержные страсти бунтующего разума стали господствовать над послушанием и умеренностью?

Романтизм, как большой стиль европейского искусства, это синтез живописи, литературы и музыки. Герои романтизма – отважные одиночки, которые не боятся противостоять стихии. Романтический герой или путешествует, причем, скорее, стремясь удалиться прочь откуда-то, чем направиться куда-то, или тоскливо смотрит из окна в открытое море так, словно жаждет познать всю беспредельность с той стороны горизонта.

В живописи художники предпочитают все сумеречное чудесному, таинственному и неземному. То, что художники-романтики не находят и не признают логического завершения, проявляется во фрагментарном характере их произведений. Таинственность, мистицизм, надлом, трагедия и потрясение – вот судьба человека, отраженная в этой живописи.

На лекции разберемся, почему же одиночество и избранность стали самыми востребованными метафорами этого времени.

Символизм — понимание живописи как иносказания, как ухода от действительности в пространство мечты, сновидений, грез, призраков и мистики. Живопись этого времени поэтична, сложна, тесно связана с литературой, историей и музыкой, полна одновременно ошеломляющего, пугающего и бесконечно прекрасного, рафинированно эстетского.

Жизнь и путь души становятся центральной темой живописи символистов. Иногда художники объединяются в почти средневековые коммуны, как например «Братство Прерафаэлитов» в Англии и «Назарейцы» в Германии, но чаще выбирают путь одиночек, всеми отвергаемых и никому не понятных гениев.

Символизм в живописи – это продолжение, развитие и трансформация идей романтизма. Художники-символисты каждый по-своему выстраивают идиллически-прекрасный мир запредельного существования человеческого Духа – на лекции мы посмотрим, какой именно.

Последний большой стиль европейского искусства, который закончился ровно в год начала Первой Мировой Войны. Сложная и странная, загадочная эстетика модерна построена на декадентском понимании красоты. Это связано со сломом эпох и радикальной сменой культурных парадигм между XIX и XX веками.

В модерне с особенной яркостью проявляется синтез всех видов искусства – от архитектуры до декора. Декоративно-прикладное искусство приобретает особое значение, становится не просто важным элементом, а основным.

На лекции мы увидим самых ярких художников модерна. Неповторимая архитектура Антонио Гауди, в сооружениях которого соединяются эпохи и стили, сформировала облик современной Барселоны. Колорит и темперамент этой архитектуры запоминается с первого взгляда.

Не менее выразительные эксперименты с цветом и формой, фактурами и линиями, образами и сюжетами происходят в живописи модерна. Мы внимательно посмотрим на творчество двух выдающихся живописцев этого периода – Густава Климта и Альфонса Мухи.

Мы погрузимся в самые интересные этапы творчества Климта – от увлечения золотом равеннских мозаик до пестроты японских цветных гравюр и театра кабуки. Увидим его «Поцелуй» и «Золотую Адель», «Nuda Veritas» и «Древо жизни», проникнем в тайны его творчества и судьбы.

Начало и первая половина XIX века – время между просвещением и романтизмом. Впервые в живописи возникает термин «реализм» и художники начинают требовать от искусства достоверность и правду.

Тогда же появляется английская живописная школа. Как на нее повлияли художники из разных стран, особенно голландцы? Почему длительное время в Англии существовал только один живописный жанр – портрет? Чем отличаются подходы к портретной живописи Томаса Гейнсборо и Джошуа Рейнольдса? Почему для Джона Констебля пейзаж становится главным жанром и что нового появляется в пространстве картин, которые он пишет?

Обо всем этом — на лекции.

Живопись солнца и света, самое жизнерадостное направление в мировом искусстве рождается во время войны в противовес всем ее ужасам. И хотя импрессионисты не были революционерами и бунтарями по духу, но именно они первые «отменили» правила в живописи.

Художники-импрессионисты словно научились останавливать время: главные герои в их картинах — солнце и воздух. Публика двадцать лет не будет признавать эти полотна, принимая их за фрагменты, эскизы, этюды, а самих художников – за недоучек. Полотна импрессионистов такими и будут – фрагментами внезапно остановленных мгновений. Но каких мгновений! Только самые светлые и радостные моменты жизни мы видим в живописи импрессионистов.

На лекции мы полюбуемся рассветами Эдуарда Мане и прудами Клода Моне, восхитимся красотой Жанны Самари Ренуара и «Голубых танцовщиц» Эдгара Дега, сравним синеву небес и вод в картинах Камиля Писсаро и Альфреда Сислея.

Постимпрессионизм – термин, который ничего не означает, кроме того, что это время художников, которые пришли после импрессионистов. Хотя в случае с Полем Сезанном даже это не верно.

Он принимает участие во всех выставках импрессионистов, выставляется рядом с Клодом Моне и Огюстом Ренуаром. Он их друг и ровесник. Но с самых первых своих шагов в искусстве, импрессионизм кажется ему слишком легким и понятным способом отражать мир. Поэтому он придумает свой.

Ван Гог и Гоген, два друга, соратника, при этом каждый — уникальный в своем взгляде на мир и на живопись. Ван Гог писал запойно, иногда по несколько картин в день, писал буквально все, а когда это все заканчивалось — писал все еще раз.

Наивный – не значит «глупый» или «недалекий». Это, скорее, противопоставление профессиональному искусству. Наивные художники не стремятся рисовать по канонам, они пишут мир не так, как учат, а так, как чувствуют его.

Критики и зрители хихикали, когда впервые увидели работы, выполненные в этом стиле. Картина Анри Руссо «Карнавальный вечер» (1886) подверглась яростным нападкам. Сюжет не вызывал нареканий: молодая пара, одетая в карнавальные костюмы, возвращается домой пешком через вспаханное поле зимней ночью под полной луной, которая висит в небе над голыми деревьями. Но зрителям, воспитанным на академической живописи, показалась неприемлемой та немудреная манера, в которой Руссо эту сцену изобразил. Публика видела ноги, зависшие в дециметре над землей, отсутствие достоверной перспективы и в целом плоскую и неумелую композицию. Пожалуй, именно тогда среди зрительских оценок впервые прозвучало: «Мой пятилетний ребенок нарисовал бы не хуже».

Но как раз благодаря отсутствию технических навыков и умений и появился узнаваемый стиль наивного искусства: соединение незамысловатой иллюстрации к детской книжке с двумерной четкостью, присущей японской ксилографии.

На лекции рассмотрим все подробнее и поймем, почему пятилетний ребенок так точно бы не смог.

На лекции мы проследим изменения в скульптуре ХХ века – весь путь от кубизма к абстракции.

Мы начнем это исследование с работ Огюста Родена. Того, кто изменил представление о форме также радикально, как Клод Моне о цвете. Откроем для себя новую эстетику Аристида Майоля и Антуана Бурделя, познакомимся с Генри Муром - художником, который соизмерял свои произведения с природными ландшафтами. Его монументальные женские фигуры – физическое воплощение природных сил.

Разберем творчество Александра Колдера – скульпторы-изобретателя, тем, с кого начинается кинетическая скульптура. Его скульптуры-механизмы уже стали классикой современного искусства, но когда-то его открытия были столь же радикальны, как изобретения Леонардо да Винчи. Затем перейдем к абстрактным скульптурным формам Наума Габо, с которыми он работает как с отражением идей нового времени.

Поговорим про тенденции развития скульптуры в современном мире и послушаем про скульпторов, работы которых представлены в Алматы – например про Ника Фиддиана-Грина: его «Спокойная вода» - расположена в Esentai Square.

«Парижская школа» — уникальное явление в искусстве: это и место, и время, и люди. В начале ХХ века в Городе Света одновременно собрались все молодые и талантливые художники из самых разных стран. Пабло Пикассо — из Испании, Амедео Модильяни — из Италии, Марк Шагал и Хаим Сутин — из России. Они были юны, полны энергии и свежих идей. Париж, с его великолепным культурным разнообразием, стал для каждого из них вдохновением и площадкой для реализации.

И несмотря на то, что эти художники очень разные, каждый со своим узнаваемым почерком, темпераментом, представлениями о месте живописца в мире, их всех объединила внутренняя свобода и даже бесстрашие, мечты о будущем и желание изменить реальность.
Каждый из этих художников чувствовал приближение Нового Века как времени, которое изменит мир и верил в реализацию самых невероятных фантазий человечества.

Революции и политические реформы, мировые войны и научные открытия привели к полной смене культурных парадигм в XX веке. Этот век был полон контрастов и два великих художника – Анри Матисс и Пабло Пикассо – очень по-разному воспринимали и изображали его.

Формы и линии Пикассо, экспрессия цвета и чувств Матисса зададут основные векторы развития искусства ХХ века. На лекции мы увидим трагичность и драматизм у Пикассо и радость жизни у Матисса.

На лекции мы встретимся также с творчеством художников-кубистов: Жоржа Брака, Робера и Сони Делоне, Омеде Озанфана, Фернана Леже, а также с художниками-фовистами: Морисом Вламинком, Андре Дереном, Альбером Марке.

В ХХ веке радикально меняется не только философская и научная картина мира, но и скорость жизни человека. И художники реагируют на такие изменения.

На лекции мы познакомимся с экспериментами художников-футуристов, которые идеализировали и поэтизировали научно-технический прогресс, изобретали новые образы будущего и новые способы изображать время.

Мы узнаем, почему родиной этого радикального направления живописи стала Италия и проследим, как именно там возникает антипод футуризма – метафизическая живопись.

Мы поговорим про экспрессионизм в живописи ХХ века, про его внимание к внутреннему миру человека страдающего, трагически переживающего предельный душевный надлом.

Познакомимся с работами Эрнста Людвига Кирхнера, Эмиля Нольде, Кеса Ван Донгена, Макса Пехштейна, Карла Шмидт-Ротлуфа, Карло Карра, Джакомо Бала, Джино Северини, тремя Джорджами: де Кирико, Моранди и де Кунинга, а также Эгона Шиле и Макса Бекмана.

Дадаизм как контркультура, как антикультура, как реакция на абсурд реальности и предпосылка сюрреализма. Сюрреализм как чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить устно, письменно или другим способом реальное функционирование мысли. Это диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений.

На лекции мы будем говорить о самых загадочных и странных явлениях художественной жизни ХХ века:
‣ узнаем, почему дадаисты презирали и смеялись над безумием окружающего мира, дразнили его и провоцировали,
‣ как Тристан Тцара, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Ханс Арп и Курт Швиттерс стали предшественниками мультимедийного искусства, джанк-скульптуры и поп-арта
‣ увидим самых ярких художников-сюрреалистов: Макса Эрнста, Рене Магритта, Ива Танги, Андре Масонна и Сальвадора Дали

Реализм, как и реальность, для каждого своя. На примерах самых известных художников конца ХХ века мы с Вами увидим, на сколько:

Эндрю Уайет в своих работах создает мир мистики и меланхолии;

Эдвард Хоппер рассуждает об одиночестве человека, живущего в большом городе, противопоставляя таким образом полноту кажущуюся и действительную;

Гелий Коржев через портреты раскрывает психологию индивидуумов. Его работы излучают неподдельную чувствительность и эмоциональную открытость;

Произведения Рокуэлла Кента отображают американскую культуру и образ жизни, а также представляют ярких персонажей и сцены из повседневной жизни.

Абстракционисты — безумцы или гении? Почему их работы — шедевры, а просто подтеки краски на холсте — нет? Как понять, что картина уже закончена, если она состоит из хаотичных брызг?

На лекции мы увидим лирику Кандинского, супрематизм Малевича, неопластицизм Мондриана и Тео ван Дусбурга, медитации Марко Ротко и космос Джексона Поллока.

И, может быть, тогда сможем прикоснуться к смыслам произведений этих художников, которые создали живопись без сюжета, без композиции, без привычного нам пространства, света и материальности.

Поп-арт это альтернативное художественное направление, своеобразный протест против обывательского «общества потребления». Энди Уорхолл создает это направление и меняет представления о живописи как о чем-то уникальном и неповторимом. Называет свою мастерскую «Фабрикой», печатает произведения на станке методом шелкографии, работает со всеми штампами, клише и стереотипами массовой культуры.

Уорхол считается самым коммерчески успешным художником прошлого века. У него заказывали портреты Мик Джаггер, Лайза Минелли, Джон Леннон, Брижит Бардо, семейство иранского шаха и другие знаменитости. Но на лекции мы увидим не только его работы, но и всех самых интересных художников поп-арта: Тома Вессельмана, Роя Лихтенштейна, Класа Ольденбурга.

Почему банка консервированного супа, приклеенный к стене на изоленту банан или обычная однодолларовая купюра вдруг становятся художественными образами?

Мы живем в эпоху, когда «все слова уже сказаны, и все табу уже нарушены». Что это — конец времён или начало нового человечества? Что такое постмодернизм и почему художники изобретают новые методы: перформансы, акции, инсталляции, хэппенинги и другие формы радикального искусства?

Это — новый формат искусства рубежа ХХ-ХХI веков. Новая художественная практика, принципиально другая, потребовала и новой логики, риторики и артикуляции.

На лекции увидим, что постмодернизм — это не только про искусство, но и про науку, политику, про современное общественное сознание и устройство.

Мы поговорим о перформансах Марины Абрамович, инсталляциях Яеи Кусама, Маурицио Каттелана, проектах Дэмиан Хёрста, Джефри Кунса и не только.

Попробуем разобраться в самом главном, будем смотреть на самые яркие и неоднозначные творения художников, акторов, действующих лиц постмодерна.

«Абстрактный экспрессионизм» — это расплывчатый термин, который относится к общему движению в основном нерепрезентативной живописи, которое процветало в Соединенных Штатах в 1940-1950-х годах. Возглавляемая поколением американских художников — под сильным влиянием европейских экспатриантов — выросших во время Депрессии и испытавших влияние как Второй мировой войны, так и ее последствия — Холодной войны, абстрактная экспрессионистская живопись не была ни полностью абстрактной, ни экспрессионистской и охватывала несколько совершенно разных стилей. Тем не менее, у различных представителей абстрактного экспрессионизма было несколько общих целей, не в последнюю очередь желание пересмотреть природу живописи и в процессе создать новый тип искусства.

Обо всем этом — подробнее на лекции.

Считается, что фигуративное искусство изображает какие-то узнаваемые объекты, а абстрактное отказывается от репрезентативности. Но что, если привычный мир изменился до неузнаваемости? Художники Лондонской школы вернули в искусство середины ХХ века фигуративную живопись, но их работы стали так далеки от реалистической традиции, как никогда раньше.

О том, как эволюционировала репрезентативность в искусстве середины XX века — на лекции.

ХХ век радикально изменил мир — и мир архитектуры в частности. Научно-технический прогресс дал невероятные технологические возможности архитекторам и они с удовольствием отринули все идеи классических форм ради воплощения своих самых смелых идей. На лекции мы увидим работы главных и лучших архитекторов ХХ века, чье творчество стало поворотным моментом в конструировании нового образа мира и человека.

Мы изучим революционные концепции Ле Корбюзье, принципы функционализма и конструктивизма его архитектуры. Эстет и первый в мире ценитель минимализма, Ле Корбюзье задавался риторическим вопросом: «Разве город не может быть источником поэзии?»

Мы увидим лучшие проекты «гения свободной планировки» Мис ван дер Роэ, органическую архитектуру Ллойд Райта. Узнаем о теории постмодернизма в архитектуре Чарльза Дженкса, поймем, как тесно связаны урбанистика, политика и экология.

Узнаем, чем вдохновлялись абсолютные гении — Заха Хадид и Норман Фостер, увидим все самые невероятные архитектурные проекты: капеллу Нотр-Дам-дю-О, музей Гугенхайм в Нью-Йорке и Бильбао, Сиднейскую Оперу, Концертный зал Уолта Диснея, Танцующий дом в Праге и обязательно рассмотрим архитектуру нашей столицы Астаны, над которой работали ведущие мировые архитектурные студии!

Русская живописная школа традиционно развивается в лоне европейской, она синхронна с эволюцией ее стилей – от Классицизма и Рококо к Сентиментализму и Реализму. Но к XIX веку русские художники все чаще формулируют и озвучивают национальную идею.

На лекции:
• узнаем, что такое «критический реализм» и откуда взялись «передвижники»;
• увидим «Последний день Помпеи» Карла Брюллова – первое полотно в русской живописи такого большого размера и первую живопись-экшн в русском искусстве;

Серебряный век русской живописи, рубеж XIX-XX веков, это одни из самых красивых страниц в истории мирового искусства. Творчество художников этого времени развивается в русле европейского Модерна, поэтому им характерна символичность, поиск внутренних смыслов, переход на иносказательный язык и большая философичность.

На лекции мы будем говорить о работах очень ярких художников, например о Михаиле Врубеле. Он метеоритом пронесся на фоне всех остальных, тесно связав свою живопись с театром и музыкой. Рассмотрим тему «Демона» и иначе увидим его связь с Лермонтовым.

Посмотрим работы Валентина Серова, Константина Коровина — художников, открывших Импрессионизм в русской школе. Увидим творчество Кустодиева, отдельно посмотрим на живопись Николая Рериха, полную глубинных смыслов: его Гималайские и Тибетские вершины – это не просто горы, это вершины духа.

Попытаемся понять Валентина Серова — первого художника в русской школе, который открывает Импрессионизм не просто как художественный метод работы, а как идею в искусстве. Мы увидим его «Девочку с персиками» и «Девушку, освещенную солнцем», а затем проследим разительные изменения в подходе в «Похищении Европы» и «Портрете Иды Рубинштейн».

Прикоснемся к творчеству группы «Мир искусства»: в предчувствии надвигающейся катастрофы ХХ века, это Санкт-Петербургское художественное объединение отстаивало идею искусства как прекрасного и высокого.

Русский авангард по своему происхождению тесно связан с революцией в России и радикальными изменениями в мире в XX веке.

От символизма к авангарду, от «Голубой розы» к «Бубновому валету» и «Ослиному хвосту»: кубофутуризм и примитивизм, эксперименты с формой и смыслами, отрицание традиций и рождение новой идеологии – вот что такое русский авангард.

Машков и Кончаловский, Лентулов и Куприн, Фальк и Сарьян, Гончарова и Ларионов – каждое имя в этом списке – целая вселенная.

На лекции узнаем, о чем мечтали художники русского авангарда и к чему привели их мечты.

Сегодня искусство соц.реализма переосмысливается и воспринимается нами уже в контексте истории.

На лекции мы поговорим и про сам термин «соц.реализм» и про его живопись:
• узнаем, почему живопись невозможно рассматривать только как иллюстрацию идеологии;
• изучим разнообразие и неоднородность соц.реализма и увидим, как часто шедевры рождаются не благодаря, а вопреки системе;
• обозначим, что такое «суровый стиль» и почему он начинается в эпоху оттепели;
• по-новому посмотрим на привычное и увидим, как рождаются идеи нонконформистов;
• и ответим на вопрос, почему искусство всегда больше, шире и глубже любой политики и идеологии

Во время правления Сталина авангард перестал соответствовать задачам, которые ставило перед искусством государство. Он не воспитывал правильного советского человека и не славил власть. Авангардисты ушли в подполье, а официальным искусством СССР стал соц.реализм. На лекции выясним, как разрешённая живопись сосуществовала с андеграундом и как развивалось искусство от 30-x годов XX века до распада СССР.

Узнаем:
‣ как закончился авангард;
‣ кто стал главным художником эпохи Сталина;
‣ каким был советский андеграунд и как он вышел из подполья;
‣ как «Бульдозерная выставка» изменила советское искусство

На лекции познакомимся с творчеством основоположников казахской живописи — Абылхана Кастеева, Аубакира Исмаилова. Проследим влияние Николая Хлудова на начальном этапе развития живописной школы, поговорим о работе репрессированных живописцев — Владимира Эйферта, Абрама Черкасского, Леонида Брюммера, Регины Великановой, Александра Риттиха. Отдельно посмотрим на полотна самого загадочного из всех наших художников — Сергея Калмыкова. Увидим рождение национальной живописной школы в творчестве Канафии Тельжанова, Молдахмета Кенбаева. Проникнем в символизм, мелодичность и поэтику живописи Сабура Мамбеева, Салихитдина Айтбаева, Шаймардена Сариева, Бахтияра Табиева, Абдрашита Сыдыханова. Увидим живописную экспрессию Жанатая Шарденова, философские притчи Дулата Алиева, Гани Баянова, Жумакын Кайрамбаева и не только.

И обязательно посмотрим на живопись наших современников, поймём, как изменилось искусство после исчезновения железного занавеса и обретения независимости. Нас ждёт живопись Аскара Есдаулетова, Марата Бекеева, Андрея Ноды, Шамиля Гулиева, Ерболата Толепбая, Галым Маданова, Вячеслава Люй-Ко и еще многих интересных и талантливых наших современников.

На завершающей цикл лекции будем говорить о прекрасном и запретном. О том, что такое табу и почему художники нарушают их — с момента появления первых засечек на стенах пещер и вплоть до завтрашнего дня.

Нарушение табу – это и изображение Вакха с грязными ногтями и чашей подгнивающих фруктов, и спрятанная Триумфальная Арка в Париже, Белка на Атакенте, дочь, кормящая грудью плененного и умирающего от голода отца, несколько тонн сделанных вручную фарфоровых семечек как олицетворение восприятия Китая в мире и Черный Квадрат, вызывающий очень разные эмоции у публики.

Табу в искусстве – это в том числе и китч: когда искусство начинают оценивать погонными метрами – а точнее общей каратностью бриллиантов в инкрустации, или когда содержание уже не может конкурировать с физическим объемом.

Если изъять из искусства надежду, протест и выпотрошить все вторые днища лиссировок, то и человеческого будущего не останется, будет не для чего просыпаться по утрам.

Грузинское искусство развивалось вместе с ее государственность начиная с древних царств Колхиды и Иберии и процветая в Средние Века во время Грузинского царства. Сегодня оно — одно из самых ярких: в нем и любовь к жизни, и трепетное отношение к культурным кодам, и необыкновенная футуристичность.

На лекции:
‣ рассмотрим известные памятники скульптуры и архитектуры, знаменитые своими фресками
‣ полюбуемся выразительными картинами и иконами, пронизанными духовностью и созданными с помощью уникальных художественных приемов
‣ не ограничиваясь только историческим развитием искусства, мы также обсудим современные тенденции искусства в Грузии и его влияние на мировую художественную сцену

Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. Если мы привыкли рассматривать картины европейских мастеров, то работы китайских мастеров надо читать.

От четырех отцов-основателей - Гу Кайчжи, Лу Таньвэй, Чжан Сэнъяо и У Даоцзы — до 6 законов живописи: Шэньцы — одухотворённость, Тяньцюй — естественность, Гоуту — композиция живописного произведения, Гусян — структура произведения, Мосе — следование традиции, Юнби — высокая техника письма тушью — на лекции мы проследим историю самого древнего, самого цельного и самого духовного искусства в мире — искусства Китая.

Индия — одно из древнейших государств с яркой и многоликой культурой. На формирование особого архитектурного стиля, а также на скульптуру, живопись, музыку и танцы Индии повлияли три разных религиозных течения — буддизм, индуизм и ислам. В связи с этим до наших дней сохранились исторические культурные памятники, способные многое рассказать о жизни страны и культуре ее народа.

На лекции рассмотрим главные культурные и художественные шедевры этой необъятной страны: Тадж-Махал, Храмы Хаджарибаг, Кхаджурахо, познакомимся с индийской каллиграфией и искусством миниатюры.

Японское искусство, развивавшееся в закрытой для иноземцев среде, во второй половине XIX века произвело фурор на международных выставках и в моду тут же вошло всё японское: кимоно, ширмы, фарфор, гравюры. «Японизм» проник в живопись и декоративно-прикладное искусство, повлияв на Импрессионистов, Пост-импрессионистов и художников Ар-нуво. И все же для большинства из нас японское искусство до сих пор остается загадкой: как же научиться его понимать?

На лекции мы поговорим о японском искусстве и традициях, о японском отношении к красоте и попробуем разобраться с основополагающими элементами японской культуры, потому что без понимания философии Японии невозможно понять ни ее жителей, ни культуру, ни тем более ее искусство.

Этот цикл — первый и важный в понимании искусства. За 6 лекций мы посмотрим на становление художественной мысли от Древнего Египта и Античной Греции до Римской и Византийской Империй, и перейдем к Готике. Почему важно понимать людей, живших многие тысячи лет назад? Потому что наш сегодняшний XXI век – прямое продолжение тех цивилизаций

Творцы Возрождения пытались отразить в своих работах фейерверк новых открытий, доступ к античным знаниям и торжество гуманизма, им было важно показать разнообразие реального мира

В этом цикле лекций мы:
‣ попробуем провести границу между картинами, похожими на возрождение, и тем Возрождением, в котором наука и искусство действительно стали единым целым;
‣ посмотрим, что происходило тем временем на Севере — как быть, если возрождать нечего?
‣ узнаем, что такое маньеризм, или как творить, если все уже было придумано

Художники всегда любили уходить от реальности, но в XIX веке почему-то особенно. В этом цикле лекций узнаем, почему именно и как выглядит мир в представлении постимпрессионистов, символистов и мастеров модерна.

Вы удивитесь, узнав, что в кубизме совсем нет кубов? Что футуризм оказался ретроградным, а дадаизм крайне популярен и сегодня, вот только ушел далеко за пределы художественных галерей? В этом цикле разбираем искусство ХХ века — когда оно впервые стало интеллектуальным, а не просто декоративным.

Когда речь заходит о признании искусства, отправной точкой должно стать не суждение о том, хорошо оно или нет, а понимание его эволюции от классических работ до сегодняшних, на которых еще не просохла краска. Как и в случае с большинством кажущихся на первый взгляд непостижимыми объектов, искусство чем-то напоминает игру – стоит освоить основные правила, и поначалу непонятное сразу приобретает некий смысл.

О русском искусстве много спорят. Оно самобытно или полно заимствований? Русская живопись ближе к Востоку или к Западу? Соц.реализм — это искусство политическое?

В этом цикле лекций узнаем:
‣ как в России появилась светская живопись и почему главный жанр XVIII века — портрет;
‣ почему передвижники считались бунтарями, а позже превратились в классиков;
‣ к чему привели мечты художников-соц.реалистов

Искусство Азии — это отдельная глава в истории мировой культуры. Ни на что не похожее, самобытное и тесно переплетенное с историей самих стран. В этом цикле сделаем первый заход в его изучении.

Город как образ времени и места – на лекции мы увидим эволюцию стилей искусства, которые создают город в его неповторимой архитектуре: в ней воплощаются ценности, идеи и идеалы каждой эпохи.

Леонардо да Винчи спроектировал идеальный город, в котором были бы невозможны никакие преступления и жизнь всех его обитателей стала бы абсолютно счастливой. Современные психологи и урбанисты единогласно говорят, что красота и гармония внешнего мира меняет и внутренний мир человека. Возможно ли воплотить идеальный город в реальность?

На лекции посмотрим на знаменитые полотна великих мастеров с видами самых красивых городов — Венеции, Парижа, Амстердама. Как люди чувствуют и ведут себя в их декорациях?

Познакомимся с городским искусством: скульптурами, муралами, графитти (Бэнкси!)

А в конце по желанию можно будет обсудить, как искусство влияет на нашу с Вами ежедневность.

Импрессионизм — это живопись света и цвета, быстрые мазки кистью, передающие движение и впечатления художника.

Два ярких его представителя — Эдгар Дега и Анри Тулуз-Лотрек — расширили это определение. В своих работах они изображали не просто танцующих балерин и повседневность парижской богемы, а разносочиненные социальные миры: один на сцене под софитами, другой — за кулисами, вдали от посторонних глаз.

Но вот вопрос: это был мир вокруг них или внутри? Разберемся на лекции

Биеннале — не просто выставка, которая проходит каждые два года. Это гигантское событие, призванное охватить всё искусство, глобально. Есть отдельные музеи, которые проводят свои биеннале, но настоящие биеннале организуются городом и являются международным Событием.

Сейчас приставка "биеннале" относительно выставок стала словом нарицательным и подразумевает именно Венецианскую. Все правильно: именно в Венеции Биеннале была впервые проведена в 1895 году и именно из Венеции эта идея распространилась по всему миру.

На лекции поговорим подробнее об истории Венецианского Биеннале, ее кураторах и их темах, а также самих художниках и из работах. Тем более есть повод: в 2024 году состоится юбилейная, 60-я выставка.

Как Античная Греция дала основу всему западно-европейскому искусству? Почему сюжеты её мифов и легенд, ее герои вдохновляли художников намного более поздних времен?

На лекции мы:
‣ Узнаем, какие исторические, культурные и эстетические факторы привлекали художников к античным сюжетам
‣ Сравним, когда художники придерживались оригинальной трактовки античных сюжетов, а где импровизировали
‣ Познакомимся с самыми известными картинами и скульптурами с античными сюжетами: "Весной" Сандро Боттичелли, "Танец" Анри Матисса, "Урок анатомии доктора Тульпа" Рембрандта, а также знаменитыми скульптурами "Давида" Микеланджело и "Венеры Милосской"

Из всех видов изобразительного искусства Ислама (архитектурный декор, изображения на металле, керамике, текстиле) книжная миниатюра — самая известная. Она формировалась под влиянием искус­ства дворцовых стенных росписей Сирии, Египта, Ирака, Ирана, Средней Азии, Закав­казья. После включения этих регионов в территорию расширяющегося халифата старое искусство повсеместно существо­вало еще очень долго, постепенно адапти­руясь под требования и вкусы нового времени. С другой стороны, на Исламскую книжную миниатюру повлияла и книжная иллюстрация пред­шествующих периодов. Обо всем этом — на лекции.

На лекции мы разберем особенности каждого стиля от Классицизма до Импрессионизма – в чем их уникальность? Познакомимся с главными художниками каждого стиля – почему они так значимы в мире искусства? Почему Модерн – это последний большой стиль европейского искусства? Что символизировал Символизм и было ли место романтике в Романтизме? И, наконец, почему стили – это не тоже самое, что периоды?

На лекции мы увидим, какая разная была Готика в Европе:
‣ Рассмотрим исторический контекст чтобы понять, как Готика возникла на стыке культур и периодов между Средневековьем и Ренессансом
‣ Погрузимся в мир величественных соборов, замков и аббатств, которые стали символами этого стиля
‣ Узнаем, как мастера смогли создать потрясающие шедевры, поднимая своды к небесам
‣ Познакомимся с Готической живописью и миниатюрой на примерах великолепных произведений, отражающих религиозные, исторические и мифологические темы
‣ Поймем, как Готика стала знаком культурных взаимодействий

На лекции мы рассмотрим развитие архитектурной мысли через века и идеи ее создателей:

• Как эталон был найден еще в Античной Греции и существует с нами до сих пор под видом Классики?
• В чем главное достижение Готики?
• Как чистые и гармоничные линии Ренессанса превратились в избыточное и причудливое Барокко?
• Ампир, Арт-деко и Модернизм – самостоятельные направления или сплошные цитаты?

И, наконец, как мы пришли к Современной архитектуре — ее инновационным формам, по своей конструкции невозможным никогда ранее даже в самых смелых фантазиях?

Каждый стиль имеет свою уникальную историю и характеристики, но что делает архитектуру таким выдающимся видом искусства на фоне всех остальных? Она делает человека человеком в самом прямом, физическом смысле.

О жизни и творчестве Винсента Ван Гога что только не говорят и всё диаметрально противоположное по смыслу, кроме одного: он был гениален. Как и почему? А как был создан мир и почему?

На лекции мы поговорим о его жизни – без лишних догадок и теорий, без попыток поставить диагноз – просто о том, кем был и как творил этот художник, который просто не мог иначе.

За свою трагически короткую жизнь Ван Гог создал колоссальное наследие. Ни одна репродукция не способна передать ощущения, которые испытываешь, встречаясь с его картинами вживую. Его пытаются копировать, его продают с аукционов, о нем снимают кино – а что в своей жизни хотел сделать он сам?

Современное искусство — это творческое выражение и переосмысление нашей эпохи, оно может быть удивительным, провокационным и даже загадочным. Оно вызывает эмоции и ассоциации и совершенно не собирается давать правильные – или хотя бы какие-нибудь — ответы.

Общий подход в понимании современного искусства, таким образом, заключается в понимании контекста, в котором оно было создано. Вот с этим как раз и разберемся на лекции.

Мы поговорим:
‣ О том, как наслаждаться процессом взаимодействия с современным искусством, если наслаждаться особо нечем
‣ Какие задавать вопросы — авторам, кураторам и себе
‣ И как развивать свое насмотренность, чтобы наконец начать выходить из галерей с ответами, а не шумом в голове

Пока в Америке Энди Уорхолл штамповал Мэрилин Монро, банки с супом и устраивал коллаборации с Баскией, в СССР художники работали на совсем другие темы.

На такие уж другие?

Насмешки над консьюмеризмом, призывы к равенству и свободам, ирония над правящей элитой – на лекции попытаемся найти хотя бы одно отличие не в форме, а в содержании.

Восточная культура, и, в частности, отношение к женщинам в ней, концептуально отличается от европейской. Это и представления об эстетике, и традиции, и символика.

Точно также и Восточные женские портреты — живописные или скульптурные — являются удивительным и своеобразным выражением красоты, страсти и глубины человеческого опыта. Они отражают богатство культурного наследия Востока и продолжают вдохновлять нас своими символами, эмоциями и историями.

На лекции проследим истории главных Восточных Красавиц — от Богини Иштар и Нефертити до Гульфайрус Исмаиловой.

Начнем цикл рассказов о женщинах в искусстве с женских образов, которые переходили из века в век в живописи: Евы, Венеры и Мадонны в работах Тициана, Леонардо да Винчи, Боттичелли и Рубенса.

Увидим Лидию Делекторскую глазами Матисса, посмотрим на Адель Блох-Бауэр и Эмилию Флёге кисти Климта, а также встретимся с легендарными Жанной Самари, с которой писал Ренуар, и Сюзанной Валадон - моделью Пюви де Шаванна, Ренуара и Анри Тулуз-Лотрека.

Познакомимся с судьбами и работами Мэри Кэссет, Берты Моризо, Зинаиды Серебряковой, Артемизией Джентилески, Фридой Кало и Яёи Кусамой.

Красный не случайно первый и главный. Красный – самый древний цвет праздника, цвет огня, цвет геральдики, любовной страсти и победы жизни над смертью.

В цветовой шкале Аристотеля, где цвета располагались от белого к черному, красный находится ровно по центру. Долгое время он и был центральным, «цветом цветов». Однако с наступлением Нового Времени восприятие красного изменилось: сначала он стал неоднозначным, а затем и вовсе «опасным».

Тогда почему именно красный так любит искусство ХХ века — неужели только из-за его радикальности и решительности?

Самый таинственный и космический цвет в живописи. Цвет беспредельности, мистики и свободы. Далеко не все художники любят этот цвет, еще меньшее их число умеет с ним работать. Знаете ли Вы, что даже слово для описания синего цвета появилось в большинстве языков самым последним?

Синий цвет в искусстве использовали уже в древности, но редко. В основном для посмертных статуэток (Древний Египет) или декораций в театре (Древняя Греция). А вот в Древнем Риме синий не любили, даже боялись. И вплоть до Средневековья в искусстве старались избегать оттенков синего — все привыкли, что они ассоциируются с трагедией. В XI–XII веках художники стали добавлять голубые цвета в иконы, на картины и витражи: синий вдруг стал символом божественного начала. Уже неплохой прогресс, но что дальше?

На рубеже XIX–XX веков художники наделили метафорическим смыслом всё — сюжет, композицию, цвет. Оттенки синего стали всё чаще отождествляться с чем-то печальным, глубоким и необъяснимым. Пабло Пикассо, например, написал в оттенках голубого целую серию картин — все они преисполнены грусти и меланхолии.

В конце XX века «лицом» синего стал французский художник Ив Кляйн. Для него этот цвет был символом неба и красоты.

Зеленый — цвет самой жизни, символ природы и экологии, гармонии и равновесия. Этот цвет ассоциируется с возрождением, как весна, когда все оживает и мир преображается. Он успокаивает нас на физическом уровне, так как именно зеленая часть спектра легче всего воспринимается глазом.

Зеленый — цвет райского сада и одежд в библейских сценах Северного Ренессанса, но он же — модный цвет куртуазного Рококо.

На лекции попробуем разобраться с символикой одного из самых, никогда бы не подумали, сложных цветов в живописи.

В Древнем Египте желтый был цветом золота и солнца и воспринимался как что-то вечное, несокрушимое. Вплоть до конца Средневековья у желтого цвета была лишь позитивная интерпретация: его использовали в иконописи для нимбов и фона — то есть как символ Царствия Божия.

Всё изменилось, когда начала активно развиваться медицина. В XIV веке врачи решили, что проблемы с желчью возникают у людей жестоких и лицемерных. Желчь желтая, поэтому и сам желтый цвет вскоре оказался символом зависти, ревности, лжи и бесчестия. Так цвет богов перешел к грешникам и аутсайдерам.

В эпоху Возрождения желтый снова сменил сторону и на картинах этого периода мы видим златокудрых Венер – олицетворение идеальной красоты.

На рубеже XIX–XX веков желтый цвет всё больше ассоциируется с обманом и предательством: желтая пресса, желтый билет, желтый дом. Затем наступает война и после всех ее ужасов многие художники вообще перестали использовать свет - и желтый цвет - в своих работах.

Сегодня желтый цвет постепенно возвращается в мир искусства – в абстракциях и чистом свете, давая надежду на будущее.

Для средневекового мира черный был цветом дьявола, в монашеских одеждах символизировал воздержание, а в эпоху Возрождения стал модным у аристократов. В Испании XIX века он был знаком политического сопротивления, а в современном искусстве часто связан с критикой капитализма.

«Черный квадрат» Малевича – это начало или конец живописи? Почему живописцы Ренессанса в Италии начинали писать от светлого к темному, а художники Барокко, наоборот, предпочитали всегда темный, почти черный фон?

Черный – это темнота и отсутствие цвета или сумма всех цветов сразу? Или пустота, с которой все начинается в нашем мире?

Что такое табу и почему художники нарушают их — с момента появления первых засечек на стенах пещер и вплоть до завтрашнего дня?

Чтобы нарушить запрет, для начала нужно понять, в чем он заключается. Табу в искусстве – это в том числе и китч. Но что сегодня протест – завтра уже просто новое решение. Так какие табу нарушают сегодняшние художники и какие уже нарушили в прошлом?

Мы поговорим про великие истории любви и их изображения в искусстве: Тесея и Ариадну, Персея и Андромеду, Соломона и Царицу Савскую, Родена и Камиллу, Климта и Адель, Кандинского и Габриэль, Дали и Галу, Матисса и Лидию, а также Пикассо, чья жизнь была большой любовью, вот только ее героини менялись, про Модильяни и Жанну, про Тулуз-Лотрека и Сюзанну, а также про образ Венеры в полотнах Боттичелли, Тициана и Рубенса.

Послушаем как художники разных времен и стран изображали зиму: таинство Рождества, веселье Нового Года, искры снега, блеск льда, тепло камина, волшебство праздничной ёлки, детскую радость на грани восторга и шелест подарочных оберток, бесконечность белых пейзажей и яркость света новых надежд.

Почему тема детства в искусстве является такой притягательной? Как художники передают радость, невинность и чудо детства?

На лекции:
‣ Исследуем различные эпохи — как менялось изображение детства на протяжении веков?‣ ‣ Как художники воссоздают воспоминания детства в своих произведениях?
‣ Как художники отражают роль детей в семейной жизни и их взаимоотношения с родителями?
‣ Как природа становится фоном для детских игр и приключений, а также какие эмоции и настроение художники передают через природные сюжеты?
‣ Как образ детства в искусстве отражает ценности разных обществ?
‣ Исследуем красоту и мастерство детской портретной живописи
‣ Как собственные воспоминания о детстве влияют на творчество художников и находят отражение в их произведениях?

В этой лекции мы отправимся в путешествие по культурам и эпохам, чтобы исследовать представление о рае в искусстве:
‣ Что такое рай и почему этот образ так привлекает внимание художников на протяжении веков?
‣ Как рай изображается в различных религиозных верованиях?
‣ Познакомимся с уникальными скульптурными и архитектурными сооружениями, которые воплощают образ рая — садами, храмами и соборами
‣ Проанализируем, как с течением времени менялись представления о рае и как искусство отражало эти изменения
‣ Разгадаем символику и эмоциональную силу образов рая, которые приковывают внимание зрителей и вдохновляют художников
‣ Как образ рая продолжает влиять на современное искусство и как он интерпретируется в контексте современных тем и техник?

Можно бесконечно долго спорить о том, какие качества отличают «хорошее» и «высокое» искусство от салонного, но когда видишь шедевр – не нужны ни вопросы, ни ответы, все само становится понятно на уровне ощущений.

Или нет?

Или шедевры – это на самом деле работы, над пиаром которых чуть больше потрудились опытные арт-диллеры, а все чувства, которые мы испытываем глядя на них – это только радость узнавания?