Когда родилась эстетика? 45 500 лет назад. Да, мы знаем точную (почти) дату, потому что научились делать сложные анализы и разобрались с путями миграции разных видов сапиенсов по континентам и теперь можем уверенно (почти) заявить, что именно с приходом Хомо Сапиенса на Евразийский континент появилась эволюционировавшая — шедевральная! — живопись.
Чего мы не знаем, так это того, как человечество вообще научилось рисовать. Или озадачилось тем, чтобы в принципе этим заняться.
Но как бы то ни было, с тех самых пор — но скорее всего, намного раньше — искусство постоянно сопровождает нас по мере расселения и жизни на Планете, превращаясь в важный источник записи и трансляции информации о мире.
На лекции познакомимся только с самыми важными открытиями доисторической эпохи — от живописи до скульптуры и архитектуры того времени, когда они сами уже существовали, а их названия — еще нет.
Искусство Египта — одно из первых, появившихся на Планете. И оно кардинально отличается от всего, что существовало как до него, так и после. Возникшее из желания увековечить Царей и воздать почести Богам, главная и отличительная его движущая сила — сила Смерти. Ужасная, но желанная, потому что в ней древние египтяне видели источник вечности и величия.
На лекции мы полюбуемся шедеврами Древнего Египта:
Храмами царицы Хатшепсут, Амона в Луксоре и Карнаке, Рамзеса II в Абу-Симбеле
Бюстом Нефертити и скульптурой богини Иштар
Золотой маской и троном Тутанхамона
Парной статуей Рахотепа и Нофрет
Росписями и рельефами египетских храмов
Античность — это время, когда появились классические представления о красоте и гармонии в искусстве. Крит — остров, на котором по легенде родился Зевс, и место действия большинства античных событий. Гомер — величайший из поэтов, благодаря которому мы имеем представление об истории современной ему цивилизации.
На лекции узнаем:
какие 3 главные идеи лежали в основе искусства Античной Греции;
как изучают древнегреческую живопись, если почти никаких произведений не сохранилось;
почему нельзя верить своим глазам, глядя на скульптуры Древней Греции.
Европейская культура выросла из Древней Греции: у греков мы позаимствовали каноны красоты, сюжеты и даже само понимание искусства.
На лекции увидим все шедевры древнегреческого искусства:
вспомним эпоху Александра Македонского и Чудеса Света;
внимательно рассмотрим Афинский Акрополь, представим, каким он был в эпоху Перикла, и что в нем принадлежит великому Фидию;
полюбуемся шедеврами Поликлет, Мирона, Праксителя, Леохара, Скопаса — эталонами скульптуры, которому будут следовать следующими столетиями;
а также узнаем, чем отличается искусство архаики, классики и эллинистического периода
Античная Греция дала основу всему западно-европейскому искусству: сюжеты её мифов и легенд, ее герои вдохновляли художников намного более поздних времен. Почему?
На лекции мы:
Узнаем, какие исторические, культурные и эстетические факторы привлекали художников к античным сюжетам
Сравним, когда художники придерживались оригинальной трактовки античных сюжетов и где импровизировали
Познакомимся с самыми известными картинами и скульптурами с античными сюжетами: "Рождение Венеры" Сандро Боттичелли, "Танец" Анри Матисса, "Урок анатомии доктора Тульпа" Рембрандта, а также знаменитые скульптуры "Давид" Микеланджело и "Венера Милосская"
К эстетике Древнего Рима обращались все европейские империи: римляне научили их оформлять дворцы и подарили миру портрет как жанр. Но только ли этим значимо древнеримское искусство? Нет, иначе мы бы не видели его отголоски буквально на каждом углу.
На лекции мы узнаем:
что римляне "позаимствовали" из греческой Античности, а что придумали сами;
чем отличается искусство Республики и Империи;
от Капитолийской волчицы до Пантеона и Коллизея — мы увидим весь Древний Рим и поймём, почему он — Вечный!
Относительно чего эти века — Средние? Как изобразить Бога с помощью перспективы? Как искусство пришло от суровой Романтики к изящной Готике и какую роль в этом процессе сыграл Константинополь?
Из всех видов изобразительного искусства Ислама (архитектурный декор, изображения на металле, керамике, текстиле) книжная миниатюра — самая известная. Она формировалась под влиянием искусства дворцовых стенных росписей Сирии, Египта, Ирака, Ирана, Средней Азии, Закавказья. После включения этих регионов в территорию расширяющегося халифата старое искусство повсеместно существовало еще очень долго, постепенно адаптируясь под требования и вкусы нового времени. С другой стороны, на Исламскую книжную миниатюру повлияла и книжная иллюстрация предшествующих периодов. Обо всем этом — на лекции.
На лекции мы разберем особенности каждого стиля от Классицизма до Импрессионизма – в чем их уникальность? Познакомимся с главными художниками каждого стиля – почему они так значимы в мире искусства? Почему Модерн – это последний большой стиль европейского искусства? Что символизировал Символизм и было ли место романтике в Романтизме? И, наконец, почему стили – это не тоже самое, что периоды?
В Средние Века искусство сделало резкий разворот: соборы вдруг обнажили кружево ребер и из просто несущей конструкции они превратились в самодостаточный элемент экстерьера, поднялся невероятный с физической точки зрения купол Айя Софии, а мировая сокровищница пополнилась огромным количеством непревзойденных до сих пор фресок и мозаик.
На лекции мы узнаем:
относительно чего эти века — Средние;
как изобразить Бога с помощью перспективы;
как искусство пришло от суровой романтики к изящной готике и какую роль в этом процессе сыграл Константинополь
На лекции мы увидим, какая разная была Готика в Европе:
Рассмотрим исторический контекст чтобы понять, как Готика возникла на стыке культур и периодов между Средневековьем и Ренессансом
Погрузимся в мир величественных соборов, замков и аббатств, которые стали символами этого стиля
Узнаем, как мастера смогли создать потрясающие шедевры, поднимая своды к небесам
Познакомимся с Готической живописью и миниатюрой на примерах великолепных произведений, отражающих религиозные, исторические и мифологические темы
Поймем, как Готика стала знаком культурных взаимодействий
Ренессанс — эпоха великих открытий, взять хотя бы мореплавателя Колумба и его Америку. А что открывают художники Ренессанса и почему все начинается не просто в Италии, а конкретно во Флоренции?
Ренессанс — это авангард XV века: новые техники, торжество научного метода и редкая изобретательность. Например, была изобретена перспектива. Сначала очень немногие мастера разглядели потенциал в работе с ней, но затем поняли главное преимущество: так сюжет картины стал прямо сообщаться с миром зрителя, который теперь смог воспринимать картину как часть реального мира.
В скульптуре в это же время прорыв совершает Донателло — его тонкие рельефы и отдельностоящие статуи сейчас кажутся нам до домашнего обычными, но тогда это было не слабее, чем NFT сегодня.
Обо всем этом и многом другом — на лекции
Сандро Боттичелли был певцом Любви и Весны, желавшим восславить не только красоту человека, но и его великое предназначение. В живописи он видел смысл жизни — как своей, так и вообще.
Леонардо да Винчи с помощью живописи смог передать чувства и мысли так, чтобы они звучали актуальными вне времени, были понятны, но оставались загадкой. Живопись для него была ремеслом, требующим не столько фантазии, сколько наблюдательности и технических навыков.
Два гения, два Титана Ренессанса, две противоположности — и их двоих вполне хватит для Вечности. Поговорим про них подробнее на лекции.
Микеланджело стал легендой при жизни. Он известен как прекрасный скульптор, умевший в мельчайших подробностях воссоздать человеческое тело в мраморе — и еще как автор Сикситинской капеллы, монументального живописного произведения в сердце католической веры. При этом живопись он не любил, а Папе Римскому то и дело хамил.
Рафаэль тоже трудился над Сикстинской капеллой: создал десять эскизов (до нас дошли семь) для гобеленов, которые потом предполагалось вывешивать в дни особых торжеств. Рафаэль умер в Риме в 1520 году когда ему было 37 лет, оставив после себя множество работ, в том числе и автопортретов, на которых, как выяснилось, любил изображать себя моложе, чем был на самом деле. И аккуратно корректировал форму своего носа.
О чем думали и мечтали, что творили при жизни и что оставили потомкам еще два Титана Ренессанса — на лекции.
Как художники Нидерландов совершают великие открытия, не покидая собственного дома?
Ян Ван Эйк изобретает технику и технологию масляной живописи. Краски его картин даже через 600 лет не потеряли своего звучания и глубины.
Питер Брейгель Старший пишет картины-притчи на все времена. Его «Слепые», «Вавилонская башня» и «Пляски под виселицей» — это все про нас сегодняшних и наш мир.
Иероним Босх, единственный в истории мировой живописи художник-мизантроп, так талантливо и убедительно создает свои фантасмагории, что невольно следуешь за ним и соглашаешься с тем, что человек слаб и все его страсти больше его самого.
Обо всем этом — на лекции.
На лекции нас ждёт встреча с Альбрехтом Дюрером — самым необычным художником Германии, не случайно ведь его называют «немецким Леонардо». Изобретатель, мистик, эзотерик, алхимик, художник, для которого Искусство — это способ познания мира. Мы увидим не только его живопись, но и графику.
Увидим и откроем для себя портреты Ганса Гольбена Младшего, полюбуемся мадоннами Лукаса Кранаха Старшего и прикоснемся к истории зловещего короля Англии Генриха VIII, который отменил Римскую Церковь в своей стране и воспитал двух дочерей, ставших легендарными королевами Англии.
Город–декорация, маски и мосты: из всех итальянских городов Венеция – самая загадочная и эффектная. Город, где родился театр масок Дель Арте, Карнавал и Казанова. Кем была создана роскошь и красота города, построенного на воде, у которого вместо улиц – каналы, вместо перекрестков — мосты?
На лекции мы узнаем:
увидим картину Веронезе «Брак в Кане Гилилейской», размеры которой превышают 60 кв.м. и на которую вот уже больше полувека смотрит крошечная "Мона Лиза" в Лувре;
проследим, как именно в Венеции впервые проявятся черты Барокко в творчестве мастеров Позднего Возрождения (Тинторетто, Веронезе) и художников-маньеристов (Карпаччо, Понтормо, Пармиджанино);
узнаем, почему в Венецианской Школе образ Венеры встречается чаще, чем образ Мадонны?
Когда безудержные страсти бунтующего разума стали господствовать над послушанием и умеренностью?
Романтизм, как большой стиль европейского искусства, это синтез живописи, литературы и музыки. Герои романтизма – отважные одиночки, которые не боятся противостоять стихии. Романтический герой или путешествует, причем, скорее, стремясь удалиться прочь откуда-то, чем направиться куда-то, или тоскливо смотрит из окна в открытое море так, словно жаждет познать всю беспредельность с той стороны горизонта.
В живописи художники предпочитают все сумеречное чудесному, таинственному и неземному. То, что художники-романтики не находят и не признают логического завершения, проявляется во фрагментарном характере их произведений. Таинственность, мистицизм, надлом, трагедия и потрясение – вот судьба человека, отраженная в этой живописи.
На лекции разберемся, почему же одиночество и избранность стали самыми востребованными метафорами этого времени.
Искусство Барокко требует постоянного и бесконечного восхищения. Оно завораживает, волнует, возмущает, пугает, увлекает, шокирует. Искусство, как и жизнь человека в эпоху.
Барокко, представляется бесконечной игрой. Художник – тот, кто может поразить воображение зрителя, иногда даже с помощью запрещенных приемов. Всю эту сложнейшую эмоциональную напряженность, масштабность, патетику, многозначность и изменчивость мы встретим в работах Паоло Веронезе, Джованни Бернини, Франческо Пармиджанино, Аньоло Бронзино, Джакопо Понтормо, Карло Мадерна, Франческо Борромини, Микеланджело Меризи да Караваджо.
XVII век — это торжество стиля Барокко, ориентированного на богатства и излишества. Архитекторы создают немыслимо сложные формы, а художники изображают пышные торжества.
Франс Снейдерс был одним из крупнейших фламандских живописцев XVII века, блестящим мастером натюрморта и ведущим анималистом. Его рыбные и мясные лавки могут произвести впечатление куда более сильное, чем поход на Зеленый базар в субботу.
Имя Антониса ван Дейка золотыми буквами вписано в историю фламандской школы. Образы с его полотен – пример утонченной гармонии и чувственности, отражающий истинное лицо всей эпохи.
Оба они были учениками Рубенса, чье имя практически синоним Барокко во Фландрии. Его картины стали настоящим праздником цвета в живописи, его палитра всегда построена на сложных, почти драматических цветовых контрастах, центральная тема его творчества — женщина, любовь и ребенок как единственный и прекрасный плод любви.
Подробнее о Барокко во Фландрии — на лекции.
В Испании XVII век называют «Золотым веком культуры», хотя живопись этого периода находилась под властью религии. Одним из самых знаменитых художников Испании с того времени и надолго после стал Эль Греко, хотя вообще-то это даже не его имя, а религию он проповедовал, по крайней мере в художественном смысле, из Византийских традиций, а не католических.
Здесь же живет и творит живописец королей и король живописцев – Диего Веласкес. Его "Менины" — первое погружение в зазеркальную реальность королевского двора, его "Инфанта" и "Папа Иннокентий Х" — первое изображение особ такого уровня с такой искренней аутентичностью, что от широкой публики их пришлось скрывать по желанию заказчиков. А начинал Веласкес с того, что писал босоногих и голодных на улицах Мадрида.
На лекции мы поговорим об искусстве Барокко в Испании — полном противоречий, красок и экспрессии.
Голландия – новая страна на карте Европы XVII века. Территория прогресса, свободы духа и свободы мысли. Почему и как Голландия становится самой прогрессивной страной Европы того времени? Как дух капитализма повлиял на узкие специализации голландских художников?
Рембрандт Харменс ван Рейн, а на его фоне – миниатюрная Голландия с ее бюргерством и предпринимательской философией. Как и почему живопись Рембрандта – о Боге и человеке — возникла в бюргерской Голландии?
На лекции мы поговорим о новых жанрах и вечных сюжетах, об улыбках в портретах Франса Хальса и воздушной красоте повседневности Яна Вермеера Дельфского, о великих и малых голландцах, и, наконец, о Свободе и свободе.
Голландия – новая страна на карте Европы XVII века. Территория прогресса, свободы духа и свободы мысли. Почему и как Голландия становится самой прогрессивной страной Европы того времени? Как дух капитализма повлиял на узкие специализации голландских художников?
Рембрандт Харменс ван Рейн, а на его фоне – миниатюрная Голландия с ее бюргерством и предпринимательской философией. Как и почему живопись Рембрандта – о Боге и человеке — возникла в бюргерской Голландии?
На лекции мы поговорим о новых жанрах и вечных сюжетах, об улыбках в портретах Франса Хальса и воздушной красоте повседневности Яна Вермеера Дельфского, о великих и малых голландцах, и, наконец, о Свободе и свободе.
Классицизм – стиль строгих норм и правил, выражает идеи Эпохи Просвещения. Для второй половины XVIII века образование становится главной идеологией. В жизнь проникает строгая упорядоченность и регламентированность. Искусство теперь – только про высокое и идеальное, и воспевает оно только идеально-прекрасных героев.
На лекции посмотрим, чьи идеи послужили формированию такого разного XVIII века в искусстве и его шедевры — нас ждут Жорж де Ла Тур, Никола Пуссен и другие художники.
Символизм — понимание живописи как иносказания, как ухода от действительности в пространство мечты, сновидений, грез, призраков и мистики. Живопись этого времени поэтична, сложна, тесно связана с литературой, историей и музыкой, полна одновременно ошеломляющего, пугающего и бесконечно прекрасного, рафинированно эстетского.
Жизнь и путь души становятся центральной темой живописи символистов. Иногда художники объединяются в почти средневековые коммуны, как например «Братство Прерафаэлитов» в Англии и «Назарейцы» в Германии, но чаще выбирают путь одиночек, всеми отвергаемых и никому не понятных гениев.
Символизм в живописи – это продолжение, развитие и трансформация идей романтизма. Художники-символисты каждый по-своему выстраивают идиллически-прекрасный мир запредельного существования человеческого Духа – на лекции мы посмотрим, какой именно.
Начало и первая половина XIX века – время между просвещением и романтизмом. Впервые в живописи возникает термин «реализм» и художники начинают требовать от искусства достоверность и правду.
Тогда же появляется английская живописная школа. Как на нее повлияли художники из разных стран, особенно голландцы? Почему длительное время в Англии существовал только один живописный жанр – портрет? Чем отличаются подходы к портретной живописи Томаса Гейнсборо и Джошуа Рейнольдса? Почему для Джона Констебля пейзаж становится главным жанром и что нового появляется в пространстве картин, которые он пишет?
Обо всем этом — на лекции.
Живопись солнца и света, самое жизнерадостное направление в мировом искусстве рождается во время войны в противовес всем ее ужасам. И хотя импрессионисты не были революционерами и бунтарями по духу, но именно они первые «отменили» правила в живописи.
Художники-импрессионисты словно научились останавливать время: главные герои в их картинах — солнце и воздух. Публика двадцать лет не будет признавать эти полотна, принимая их за фрагменты, эскизы, этюды, а самих художников – за недоучек. Полотна импрессионистов такими и будут – фрагментами внезапно остановленных мгновений. Но каких мгновений! Только самые светлые и радостные моменты жизни мы видим в живописи импрессионистов.
На лекции мы полюбуемся рассветами Эдуарда Мане и прудами Клода Моне, восхитимся красотой Жанны Самари Ренуара и «Голубых танцовщиц» Эдгара Дега, сравним синеву небес и вод в картинах Камиля Писсаро и Альфреда Сислея.
Импрессионизм — это живопись света и цвета, быстрые мазки кистью, передающие движение и впечатления художника.
Два ярких его представителя – Эдгар Дега и Анри Тулуз-Лотрек — расширили это определение. В своих работах они изображали не просто танцующих балерин и повседневность парижской богемы, а разносочиненные социальные миры: один на сцене под софитами, другой — за кулисами, вдали от посторонних глаз.
Но вот вопрос: это был мир вокруг них или внутри? Разберемся на лекции.
Постимпрессионизм – термин, который ничего не означает, кроме того, что это время художников, которые пришли после импрессионистов. Хотя в случае с Полем Сезанном даже это не верно.
Он принимает участие во всех выставках импрессионистов, выставляется рядом с Клодом Моне и Огюстом Ренуаром. Он их друг и ровесник. Но с самых первых своих шагов в искусстве, импрессионизм кажется ему слишком легким и понятным способом отражать мир. Поэтому он придумает свой.
Ван Гог и Гоген, два друга, соратника, при этом каждый — уникальный в своем взгляде на мир и на живопись. Ван Гог писал запойно, иногда по несколько картин в день, писал буквально все, а когда это все заканчивалось — писал все еще раз.
Последний большой стиль европейского искусства, который закончился ровно в год начала Первой Мировой Войны. Сложная и странная, загадочная эстетика модерна построена на декадентском понимании красоты. Это связано со сломом эпох и радикальной сменой культурных парадигм между XIX и XX веками.
В модерне с особенной яркостью проявляется синтез всех видов искусства – от архитектуры до декора. Декоративно-прикладное искусство приобретает особое значение, становится не просто важным элементом, а основным.
На лекции мы увидим самых ярких художников модерна. Неповторимая архитектура Антонио Гауди, в сооружениях которого соединяются эпохи и стили, сформировала облик современной Барселоны. Колорит и темперамент этой архитектуры запоминается с первого взгляда.
Не менее выразительные эксперименты с цветом и формой, фактурами и линиями, образами и сюжетами происходят в живописи модерна. Мы внимательно посмотрим на творчество двух выдающихся живописцев этого периода – Густава Климта и Альфонса Мухи.
Мы погрузимся в самые интересные этапы творчества Климта – от увлечения золотом равеннских мозаик до пестроты японских цветных гравюр и театра кабуки. Увидим его «Поцелуй» и «Золотую Адель», «Nuda Veritas» и «Древо жизни», проникнем в тайны его творчества и судьбы.
О жизни и творчестве Винсента Ван Гога что только не говорят и всё диаметрально противоположное по смыслу, кроме одного: он был гениален. Как и почему? А как был создан мир и почему?
На лекции мы поговорим о его жизни – без лишних догадок и теорий, без попыток поставить диагноз – просто о том, кем был и как творил этот художник, который просто не мог иначе.
За свою трагически короткую жизнь Ван Гог создал колоссальное наследие. Ни одна репродукция не способна передать ощущения, которые испытываешь, встречаясь с его картинами вживую. Его пытаются копировать, его продают с аукционов, о нем снимают кино – а что в своей жизни хотел сделать он сам?
Наивный – не значит «глупый» или «недалекий». Это, скорее, противопоставление профессиональному искусству. Наивные художники не стремятся рисовать по канонам, они пишут мир не так, как учат, а так, как чувствуют его.
Критики и зрители хихикали, когда впервые увидели работы, выполненные в этом стиле. Картина Анри Руссо «Карнавальный вечер» (1886) подверглась яростным нападкам. Сюжет не вызывал нареканий: молодая пара, одетая в карнавальные костюмы, возвращается домой пешком через вспаханное поле зимней ночью под полной луной, которая висит в небе над голыми деревьями. Но зрителям, воспитанным на академической живописи, показалась неприемлемой та немудреная манера, в которой Руссо эту сцену изобразил. Публика видела ноги, зависшие в дециметре над землей, отсутствие достоверной перспективы и в целом плоскую и неумелую композицию. Пожалуй, именно тогда среди зрительских оценок впервые прозвучало: «Мой пятилетний ребенок нарисовал бы не хуже».
Но как раз благодаря отсутствию технических навыков и умений и появился узнаваемый стиль наивного искусства: соединение незамысловатой иллюстрации к детской книжке с двумерной четкостью, присущей японской ксилографии.
На лекции рассмотрим все подробнее и поймем, почему пятилетний ребенок так точно бы не смог.
На лекции мы проследим изменения в скульптуре ХХ века – весь путь от кубизма к абстракции.
Мы начнем это исследование с работ Огюста Родена. Того, кто изменил представление о форме также радикально, как Клод Моне о цвете. Откроем для себя новую эстетику Аристида Майоля и Антуана Бурделя, познакомимся с Генри Муром - художником, который соизмерял свои произведения с природными ландшафтами. Его монументальные женские фигуры – физическое воплощение природных сил.
Разберем творчество Александра Колдера – скульпторы-изобретателя, тем, с кого начинается кинетическая скульптура. Его скульптуры-механизмы уже стали классикой современного искусства, но когда-то его открытия были столь же радикальны, как изобретения Леонардо да Винчи. Затем перейдем к абстрактным скульптурным формам Наума Габо, с которыми он работает как с отражением идей нового времени.
Поговорим про тенденции развития скульптуры в современном мире и послушаем про скульпторов, работы которых представлены в Алматы – например про Ника Фиддиана-Грина: его «Спокойная вода» - расположена в Esentai Square.
«Парижская школа» — уникальное явление в искусстве: это и место, и время, и люди. В начале ХХ века в Городе Света одновременно собрались все молодые и талантливые художники из самых разных стран. Пабло Пикассо — из Испании, Амедео Модильяни — из Италии, Марк Шагал и Хаим Сутин — из России. Они были юны, полны энергии и свежих идей. Париж, с его великолепным культурным разнообразием, стал для каждого из них вдохновением и площадкой для реализации.
И несмотря на то, что эти художники очень разные, каждый со своим узнаваемым почерком, темпераментом, представлениями о месте живописца в мире, их всех объединила внутренняя свобода и даже бесстрашие, мечты о будущем и желание изменить реальность. Каждый из этих художников чувствовал приближение Нового Века как времени, которое изменит мир и верил в реализацию самых невероятных фантазий человечества.
Революции и политические реформы, мировые войны и научные открытия привели к полной смене культурных парадигм в XX веке. Этот век был полон контрастов и два великих художника – Анри Матисс и Пабло Пикассо – очень по-разному воспринимали и изображали его.
Формы и линии Пикассо, экспрессия цвета и чувств Матисса зададут основные векторы развития искусства ХХ века. На лекции мы увидим трагичность и драматизм у Пикассо и радость жизни у Матисса.
На лекции мы встретимся также с творчеством художников-кубистов: Жоржа Брака, Робера и Сони Делоне, Омеде Озанфана, Фернана Леже, а также с художниками-фовистами: Морисом Вламинком, Андре Дереном, Альбером Марке.
В ХХ веке радикально меняется не только философская и научная картина мира, но и скорость жизни человека. И художники реагируют на такие изменения.
На лекции мы познакомимся с экспериментами художников-футуристов, которые идеализировали и поэтизировали научно-технический прогресс, изобретали новые образы будущего и новые способы изображать время.
Мы узнаем, почему родиной этого радикального направления живописи стала Италия и проследим, как именно там возникает антипод футуризма – метафизическая живопись.
Мы поговорим про экспрессионизм в живописи ХХ века, про его внимание к внутреннему миру человека страдающего, трагически переживающего предельный душевный надлом.
Познакомимся с работами Эрнста Людвига Кирхнера, Эмиля Нольде, Кеса Ван Донгена, Макса Пехштейна, Карла Шмидт-Ротлуфа, Карло Карра, Джакомо Бала, Джино Северини, тремя Джорджами: де Кирико, Моранди и де Кунинга, а также Эгона Шиле и Макса Бекмана.
Дадаизм как контркультура, как антикультура, как реакция на абсурд реальности и предпосылка сюрреализма. Сюрреализм как чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить устно, письменно или другим способом реальное функционирование мысли. Это диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений.
На лекции мы будем говорить о самых загадочных и странных явлениях художественной жизни ХХ века:
узнаем, почему дадаисты презирали и смеялись над безумием окружающего мира, дразнили его и провоцировали,
как Тристан Тцара, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Ханс Арп и Курт Швиттерс стали предшественниками мультимедийного искусства, джанк-скульптуры и поп-арта
увидим самых ярких художников-сюрреалистов: Макса Эрнста, Рене Магритта, Ива Танги, Андре Масонна и Сальвадора Дали
Реализм, как и реальность, для каждого своя. На примерах самых известных художников конца ХХ века мы с Вами увидим, на сколько:
Эндрю Уайет в своих работах создает мир мистики и меланхолии;
Эдвард Хоппер рассуждает об одиночестве человека, живущего в большом городе, противопоставляя таким образом полноту кажущуюся и действительную;
Гелий Коржев через портреты раскрывает психологию индивидуумов. Его работы излучают неподдельную чувствительность и эмоциональную открытость;
Произведения Рокуэлла Кента отображают американскую культуру и образ жизни, а также представляют ярких персонажей и сцены из повседневной жизни.