Когда родилась эстетика? 45 500 лет назад. Да, мы знаем точную (почти) дату, потому что научились делать сложные анализы и разобрались с путями миграции разных видов сапиенсов по континентам и теперь можем уверенно (почти) заявить, что именно с приходом Хомо Сапиенса на Евразийский континент появилась эволюционировавшая — шедевральная! — живопись.

Чего мы не знаем, так это того, как человечество вообще научилось рисовать. Или озадачилось тем, чтобы в принципе этим заняться.

Но как бы то ни было, с тех самых пор — но скорее всего, намного раньше — искусство постоянно сопровождает нас по мере расселения и жизни на Планете, превращаясь в важный источник записи и трансляции информации о мире.

На лекции познакомимся только с самыми важными открытиями доисторической эпохи — от живописи до скульптуры и архитектуры того времени, когда они сами уже существовали, а их названия — еще нет.

Искусство Египта — одно из первых, появившихся на Планете. И оно кардинально отличается от всего, что существовало как до него, так и после. Возникшее из желания увековечить Царей и воздать почести Богам, главная и отличительная его движущая сила — сила Смерти. Ужасная, но желанная, потому что в ней древние египтяне видели источник вечности и величия.

На лекции мы полюбуемся шедеврами Древнего Египта:

• Храмами царицы Хатшепсут, Амона в Луксоре и Карнаке, Рамзеса II в Абу-Симбеле
• Бюстом Нефертити и скульптурой богини Иштар
• Золотой маской и троном Тутанхамона
• Парной статуей Рахотепа и Нофрет
• Росписями и рельефами египетских храмов

Античность — это время, когда появились классические представления о красоте и гармонии в искусстве. Крит — остров, на котором по легенде родился Зевс, и место действия большинства античных событий. Гомер — величайший из поэтов, благодаря которому мы имеем представление об истории современной ему цивилизации.

На лекции узнаем:

• какие 3 главные идеи лежали в основе искусства Античной Греции;
• как изучают древнегреческую живопись, если почти никаких произведений не сохранилось;
• почему нельзя верить своим глазам, глядя на скульптуры Древней Греции.

Европейская культура выросла из Древней Греции: у греков мы позаимствовали каноны красоты, сюжеты и даже само понимание искусства.

На лекции увидим все шедевры древнегреческого искусства:

• вспомним эпоху Александра Македонского и Чудеса Света;
• внимательно рассмотрим Афинский Акрополь, представим, каким он был в эпоху Перикла, и что в нем принадлежит великому Фидию;
• полюбуемся шедеврами Поликлет, Мирона, Праксителя, Леохара, Скопаса — эталонами скульптуры, которому будут следовать следующими столетиями;
• а также узнаем, чем отличается искусство архаики, классики и эллинистического периода
  

Античная Греция дала основу всему западно-европейскому искусству: сюжеты её мифов и легенд, ее герои вдохновляли художников намного более поздних времен. Почему?

На лекции мы:

• Узнаем, какие исторические, культурные и эстетические факторы привлекали художников к античным сюжетам
• Сравним, когда художники придерживались оригинальной трактовки античных сюжетов и где импровизировали
• Познакомимся с самыми известными картинами и скульптурами с античными сюжетами: "Рождение Венеры" Сандро Боттичелли, "Танец" Анри Матисса, "Урок анатомии доктора Тульпа" Рембрандта, а также знаменитые скульптуры "Давид" Микеланджело и "Венера Милосская"

К эстетике Древнего Рима обращались все европейские империи: римляне научили их оформлять дворцы и подарили миру портрет как жанр. Но только ли этим значимо древнеримское искусство? Нет, иначе мы бы не видели его отголоски буквально на каждом углу.

На лекции мы узнаем:

• что римляне "позаимствовали" из греческой Античности, а что придумали сами;
• чем отличается искусство Республики и Империи;
• от Капитолийской волчицы до Пантеона и Коллизея — мы увидим весь Древний Рим и поймём, почему он — Вечный!

Из всех видов изобразительного искусства Ислама (архитектурный декор, изображения на металле, керамике, текстиле) книжная миниатюра — самая известная. Она формировалась под влиянием искус­ства дворцовых стенных росписей Сирии, Египта, Ирака, Ирана, Средней Азии, Закав­казья. После включения этих регионов в территорию расширяющегося халифата старое искусство повсеместно существо­вало еще очень долго, постепенно адапти­руясь под требования и вкусы нового времени. С другой стороны, на Исламскую книжную миниатюру повлияла и книжная иллюстрация пред­шествующих периодов. Обо всем этом — на лекции.

На лекции мы разберем особенности каждого стиля от Классицизма до Импрессионизма – в чем их уникальность? Познакомимся с главными художниками каждого стиля – почему они так значимы в мире искусства? Почему Модерн – это последний большой стиль европейского искусства? Что символизировал Символизм и было ли место романтике в Романтизме? И, наконец, почему стили – это не тоже самое, что периоды?

В Средние Века искусство сделало резкий разворот: соборы вдруг обнажили кружево ребер и из просто несущей конструкции они превратились в самодостаточный элемент экстерьера, поднялся невероятный с физической точки зрения купол Айя Софии, а мировая сокровищница пополнилась огромным количеством непревзойденных до сих пор фресок и мозаик.

На лекции мы узнаем:

• относительно чего эти века — Средние;
• как изобразить Бога с помощью перспективы;
• как искусство пришло от суровой романтики к изящной готике и какую роль в этом процессе сыграл Константинополь

На лекции мы увидим, какая разная была Готика в Европе:

• Рассмотрим исторический контекст чтобы понять, как Готика возникла на стыке культур и периодов между Средневековьем и Ренессансом
• Погрузимся в мир величественных соборов, замков и аббатств, которые стали символами этого стиля
• Узнаем, как мастера смогли создать потрясающие шедевры, поднимая своды к небесам
• Познакомимся с Готической живописью и миниатюрой на примерах великолепных произведений, отражающих религиозные, исторические и мифологические темы
• Поймем, как Готика стала знаком культурных взаимодействий

Ренессанс — эпоха великих открытий, взять хотя бы мореплавателя Колумба и его Америку. А что открывают художники Ренессанса и почему все начинается не просто в Италии, а конкретно во Флоренции?

Ренессанс — это авангард XV века: новые техники, торжество научного метода и редкая изобретательность. Например, была изобретена перспектива. Сначала очень немногие мастера разглядели потенциал в работе с ней, но затем поняли главное преимущество: так сюжет картины стал прямо сообщаться с миром зрителя, который теперь смог воспринимать картину как часть реального мира.

В скульптуре в это же время прорыв совершает Донателло — его тонкие рельефы и отдельностоящие статуи сейчас кажутся нам до домашнего обычными, но тогда это было не слабее, чем NFT сегодня.

Обо всем этом и многом другом — на лекции

Сандро Боттичелли был певцом Любви и Весны, желавшим восславить не только красоту человека, но и его великое предназначение. В живописи он видел смысл жизни — как своей, так и вообще.

Леонардо да Винчи с помощью живописи смог передать чувства и мысли так, чтобы они звучали актуальными вне времени, были понятны, но оставались загадкой. Живопись для него была ремеслом, требующим не столько фантазии, сколько наблюдательности и технических навыков.

Два гения, два Титана Ренессанса, две противоположности — и их двоих вполне хватит для Вечности. Поговорим про них подробнее на лекции.

Микеланджело стал легендой при жизни. Он известен как прекрасный скульптор, умевший в мельчайших подробностях воссоздать человеческое тело в мраморе — и еще как автор Сикситинской капеллы, монументального живописного произведения в сердце католической веры. При этом живопись он не любил, а Папе Римскому то и дело хамил.

Рафаэль тоже трудился над Сикстинской капеллой: создал десять эскизов (до нас дошли семь) для гобеленов, которые потом предполагалось вывешивать в дни особых торжеств. Рафаэль умер в Риме в 1520 году когда ему было 37 лет, оставив после себя множество работ, в том числе и автопортретов, на которых, как выяснилось, любил изображать себя моложе, чем был на самом деле. И аккуратно корректировал форму своего носа.

О чем думали и мечтали, что творили при жизни и что оставили потомкам еще два Титана Ренессанса — на лекции.

Как художники Нидерландов совершают великие открытия, не покидая собственного дома?

Ян Ван Эйк изобретает технику и технологию масляной живописи. Краски его картин даже через 600 лет не потеряли своего звучания и глубины.

Питер Брейгель Старший пишет картины-притчи на все времена. Его «Слепые», «Вавилонская башня» и «Пляски под виселицей» — это все про нас сегодняшних и наш мир.

Иероним Босх, единственный в истории мировой живописи художник-мизантроп, так талантливо и убедительно создает свои фантасмагории, что невольно следуешь за ним и соглашаешься с тем, что человек слаб и все его страсти больше его самого.

Обо всем этом — на лекции.

На лекции нас ждёт встреча с Альбрехтом Дюрером — самым необычным художником Германии, не случайно ведь его называют «немецким Леонардо». Изобретатель, мистик, эзотерик, алхимик, художник, для которого Искусство — это способ познания мира. Мы увидим не только его живопись, но и графику.

Увидим и откроем для себя портреты Ганса Гольбена Младшего, полюбуемся мадоннами Лукаса Кранаха Старшего и прикоснемся к истории зловещего короля Англии Генриха VIII, который отменил Римскую Церковь в своей стране и воспитал двух дочерей, ставших легендарными королевами Англии.

Город–декорация, маски и мосты: из всех итальянских городов Венеция – самая загадочная и эффектная. Город, где родился театр масок Дель Арте, Карнавал и Казанова. Кем была создана роскошь и красота города, построенного на воде, у которого вместо улиц – каналы, вместо перекрестков — мосты?

На лекции мы узнаем:

• увидим картину Веронезе «Брак в Кане Гилилейской», размеры которой превышают 60 кв.м. и на которую вот уже больше полувека смотрит крошечная "Мона Лиза" в Лувре;
• проследим, как именно в Венеции впервые проявятся черты Барокко в творчестве мастеров Позднего Возрождения (Тинторетто, Веронезе) и художников-маньеристов (Карпаччо, Понтормо, Пармиджанино);
• узнаем, почему в Венецианской Школе образ Венеры встречается чаще, чем образ Мадонны?

Когда безудержные страсти бунтующего разума стали господствовать над послушанием и умеренностью?

Романтизм, как большой стиль европейского искусства, это синтез живописи, литературы и музыки. Герои романтизма – отважные одиночки, которые не боятся противостоять стихии. Романтический герой или путешествует, причем, скорее, стремясь удалиться прочь откуда-то, чем направиться куда-то, или тоскливо смотрит из окна в открытое море так, словно жаждет познать всю беспредельность с той стороны горизонта.

В живописи художники предпочитают все сумеречное чудесному, таинственному и неземному. То, что художники-романтики не находят и не признают логического завершения, проявляется во фрагментарном характере их произведений. Таинственность, мистицизм, надлом, трагедия и потрясение – вот судьба человека, отраженная в этой живописи.

На лекции разберемся, почему же одиночество и избранность стали самыми востребованными метафорами этого времени.

Искусство Барокко требует постоянного и бесконечного восхищения. Оно завораживает, волнует, возмущает, пугает, увлекает, шокирует. Искусство, как и жизнь человека в эпоху.

Барокко, представляется бесконечной игрой. Художник – тот, кто может поразить воображение зрителя, иногда даже с помощью запрещенных приемов. Всю эту сложнейшую эмоциональную напряженность, масштабность, патетику, многозначность и изменчивость мы встретим в работах Паоло Веронезе, Джованни Бернини, Франческо Пармиджанино, Аньоло Бронзино, Джакопо Понтормо, Карло Мадерна, Франческо Борромини, Микеланджело Меризи да Караваджо.

XVII век — это торжество стиля Барокко, ориентированного на богатства и излишества. Архитекторы создают немыслимо сложные формы, а художники изображают пышные торжества.

Франс Снейдерс был одним из крупнейших фламандских живописцев XVII века, блестящим мастером натюрморта и ведущим анималистом. Его рыбные и мясные лавки могут произвести впечатление куда более сильное, чем поход на Зеленый базар в субботу.

Имя Антониса ван Дейка золотыми буквами вписано в историю фламандской школы. Образы с его полотен – пример утонченной гармонии и чувственности, отражающий истинное лицо всей эпохи.

Оба они были учениками Рубенса, чье имя практически синоним Барокко во Фландрии. Его картины стали настоящим праздником цвета в живописи, его палитра всегда построена на сложных, почти драматических цветовых контрастах, центральная тема его творчества — женщина, любовь и ребенок как единственный и прекрасный плод любви.

Подробнее о Барокко во Фландрии — на лекции.

В Испании XVII век называют «Золотым веком культуры», хотя живопись этого периода находилась под властью религии. Одним из самых знаменитых художников Испании с того времени и надолго после стал Эль Греко, хотя вообще-то это даже не его имя, а религию он проповедовал, по крайней мере в художественном смысле, из Византийских традиций, а не католических.

Здесь же живет и творит живописец королей и король живописцев – Диего Веласкес. Его "Менины" — первое погружение в зазеркальную реальность королевского двора, его "Инфанта" и "Папа Иннокентий Х" — первое изображение особ такого уровня с такой искренней аутентичностью, что от широкой публики их пришлось скрывать по желанию заказчиков. А начинал Веласкес с того, что писал босоногих и голодных на улицах Мадрида.

На лекции мы поговорим об искусстве Барокко в Испании — полном противоречий, красок и экспрессии.

Голландия – новая страна на карте Европы XVII века. Территория прогресса, свободы духа и свободы мысли. Почему и как Голландия становится самой прогрессивной страной Европы того времени? Как дух капитализма повлиял на узкие специализации голландских художников?

Рембрандт Харменс ван Рейн, а на его фоне – миниатюрная Голландия с ее бюргерством и предпринимательской философией. Как и почему живопись Рембрандта – о Боге и человеке — возникла в бюргерской Голландии?

На лекции мы поговорим о новых жанрах и вечных сюжетах, об улыбках в портретах Франса Хальса и воздушной красоте повседневности Яна Вермеера Дельфского, о великих и малых голландцах, и, наконец, о Свободе и свободе.

Голландия – новая страна на карте Европы XVII века. Территория прогресса, свободы духа и свободы мысли. Почему и как Голландия становится самой прогрессивной страной Европы того времени? Как дух капитализма повлиял на узкие специализации голландских художников?

Рембрандт Харменс ван Рейн, а на его фоне – миниатюрная Голландия с ее бюргерством и предпринимательской философией. Как и почему живопись Рембрандта – о Боге и человеке — возникла в бюргерской Голландии?

На лекции мы поговорим о новых жанрах и вечных сюжетах, об улыбках в портретах Франса Хальса и воздушной красоте повседневности Яна Вермеера Дельфского, о великих и малых голландцах, и, наконец, о Свободе и свободе.

Классицизм – стиль строгих норм и правил, выражает идеи Эпохи Просвещения. Для второй половины XVIII века образование становится главной идеологией. В жизнь проникает строгая упорядоченность и регламентированность. Искусство теперь – только про высокое и идеальное, и воспевает оно только идеально-прекрасных героев.

На лекции посмотрим, чьи идеи послужили формированию такого разного XVIII века в искусстве и его шедевры — нас ждут Жорж де Ла Тур, Никола Пуссен и другие художники.

Символизм — понимание живописи как иносказания, как ухода от действительности в пространство мечты, сновидений, грез, призраков и мистики. Живопись этого времени поэтична, сложна, тесно связана с литературой, историей и музыкой, полна одновременно ошеломляющего, пугающего и бесконечно прекрасного, рафинированно эстетского.

Жизнь и путь души становятся центральной темой живописи символистов. Иногда художники объединяются в почти средневековые коммуны, как например «Братство Прерафаэлитов» в Англии и «Назарейцы» в Германии, но чаще выбирают путь одиночек, всеми отвергаемых и никому не понятных гениев.

Символизм в живописи – это продолжение, развитие и трансформация идей романтизма. Художники-символисты каждый по-своему выстраивают идиллически-прекрасный мир запредельного существования человеческого Духа – на лекции мы посмотрим, какой именно.

Начало и первая половина XIX века – время между просвещением и романтизмом. Впервые в живописи возникает термин «реализм» и художники начинают требовать от искусства достоверность и правду.

Тогда же появляется английская живописная школа. Как на нее повлияли художники из разных стран, особенно голландцы? Почему длительное время в Англии существовал только один живописный жанр – портрет? Чем отличаются подходы к портретной живописи Томаса Гейнсборо и Джошуа Рейнольдса? Почему для Джона Констебля пейзаж становится главным жанром и что нового появляется в пространстве картин, которые он пишет?

Обо всем этом — на лекции.

Живопись солнца и света, самое жизнерадостное направление в мировом искусстве рождается во время войны в противовес всем ее ужасам. И хотя импрессионисты не были революционерами и бунтарями по духу, но именно они первые «отменили» правила в живописи.

Художники-импрессионисты словно научились останавливать время: главные герои в их картинах — солнце и воздух. Публика двадцать лет не будет признавать эти полотна, принимая их за фрагменты, эскизы, этюды, а самих художников – за недоучек. Полотна импрессионистов такими и будут – фрагментами внезапно остановленных мгновений. Но каких мгновений! Только самые светлые и радостные моменты жизни мы видим в живописи импрессионистов.

На лекции мы полюбуемся рассветами Эдуарда Мане и прудами Клода Моне, восхитимся красотой Жанны Самари Ренуара и «Голубых танцовщиц» Эдгара Дега, сравним синеву небес и вод в картинах Камиля Писсаро и Альфреда Сислея.

Импрессионизм — это живопись света и цвета, быстрые мазки кистью, передающие движение и впечатления художника.

Два ярких его представителя – Эдгар Дега и Анри Тулуз-Лотрек — расширили это определение. В своих работах они изображали не просто танцующих балерин и повседневность парижской богемы, а разносочиненные социальные миры: один на сцене под софитами, другой — за кулисами, вдали от посторонних глаз.

Но вот вопрос: это был мир вокруг них или внутри? Разберемся на лекции.

Постимпрессионизм – термин, который ничего не означает, кроме того, что это время художников, которые пришли после импрессионистов. Хотя в случае с Полем Сезанном даже это не верно.

Он принимает участие во всех выставках импрессионистов, выставляется рядом с Клодом Моне и Огюстом Ренуаром. Он их друг и ровесник. Но с самых первых своих шагов в искусстве, импрессионизм кажется ему слишком легким и понятным способом отражать мир. Поэтому он придумает свой.

Ван Гог и Гоген, два друга, соратника, при этом каждый — уникальный в своем взгляде на мир и на живопись. Ван Гог писал запойно, иногда по несколько картин в день, писал буквально все, а когда это все заканчивалось — писал все еще раз.

Последний большой стиль европейского искусства, который закончился ровно в год начала Первой Мировой Войны. Сложная и странная, загадочная эстетика модерна построена на декадентском понимании красоты. Это связано со сломом эпох и радикальной сменой культурных парадигм между XIX и XX веками.

В модерне с особенной яркостью проявляется синтез всех видов искусства – от архитектуры до декора. Декоративно-прикладное искусство приобретает особое значение, становится не просто важным элементом, а основным.

На лекции мы увидим самых ярких художников модерна. Неповторимая архитектура Антонио Гауди, в сооружениях которого соединяются эпохи и стили, сформировала облик современной Барселоны. Колорит и темперамент этой архитектуры запоминается с первого взгляда.

Не менее выразительные эксперименты с цветом и формой, фактурами и линиями, образами и сюжетами происходят в живописи модерна. Мы внимательно посмотрим на творчество двух выдающихся живописцев этого периода – Густава Климта и Альфонса Мухи.

Мы погрузимся в самые интересные этапы творчества Климта – от увлечения золотом равеннских мозаик до пестроты японских цветных гравюр и театра кабуки. Увидим его «Поцелуй» и «Золотую Адель», «Nuda Veritas» и «Древо жизни», проникнем в тайны его творчества и судьбы.

О жизни и творчестве Винсента Ван Гога что только не говорят и всё диаметрально противоположное по смыслу, кроме одного: он был гениален. Как и почему? А как был создан мир и почему?

На лекции мы поговорим о его жизни – без лишних догадок и теорий, без попыток поставить диагноз – просто о том, кем был и как творил этот художник, который просто не мог иначе.

За свою трагически короткую жизнь Ван Гог создал колоссальное наследие. Ни одна репродукция не способна передать ощущения, которые испытываешь, встречаясь с его картинами вживую. Его пытаются копировать, его продают с аукционов, о нем снимают кино – а что в своей жизни хотел сделать он сам?

Наивный – не значит «глупый» или «недалекий». Это, скорее, противопоставление профессиональному искусству. Наивные художники не стремятся рисовать по канонам, они пишут мир не так, как учат, а так, как чувствуют его.

Критики и зрители хихикали, когда впервые увидели работы, выполненные в этом стиле. Картина Анри Руссо «Карнавальный вечер» (1886) подверглась яростным нападкам. Сюжет не вызывал нареканий: молодая пара, одетая в карнавальные костюмы, возвращается домой пешком через вспаханное поле зимней ночью под полной луной, которая висит в небе над голыми деревьями. Но зрителям, воспитанным на академической живописи, показалась неприемлемой та немудреная манера, в которой Руссо эту сцену изобразил. Публика видела ноги, зависшие в дециметре над землей, отсутствие достоверной перспективы и в целом плоскую и неумелую композицию. Пожалуй, именно тогда среди зрительских оценок впервые прозвучало: «Мой пятилетний ребенок нарисовал бы не хуже».

Но как раз благодаря отсутствию технических навыков и умений и появился узнаваемый стиль наивного искусства: соединение незамысловатой иллюстрации к детской книжке с двумерной четкостью, присущей японской ксилографии.

На лекции рассмотрим все подробнее и поймем, почему пятилетний ребенок так точно бы не смог.